Misery non deve morire. Ecco perché si è trasferita in teatro

Di Misery tutti sanno tutto. O quasi. Il libro di Stephen King (500 milioni di copie vendute, dicono), il film sceneggiato da William Goldman (si stimano 70 milioni d’incasso nei soli Stati Uniti), il premio Oscar a Kathy Bates, e tutta la mitologia cresciuta attorno al fortunato romanzo della fine degli anni ’80 ne hanno fatto un riferimento pop, presente nell’immaginario di più generazioni.

Misery - Filippo Dini, Arianna Scommegna

È la ragione – ma non la sola – che mi spinge a consigliarvi di vedere Misery anche a teatro.

Filippo Dini, che è un attore che stimo, ha avuto questa bella idea. Provare a capire se la vicenda dello scrittore sequestrato e seviziato dalla sua fan più appassionata, affinché riporti in vita il personaggio fatto morire nell’ultimo capitolo di una saga a puntate, poteva funzionare sulle scene italiane. La versione statunitense, con Bruce Willis e Laurie Metcalf protagonisti, era certo un fattore rassicurante.

Dini è anche regista: lo considero bravo, molto. L’unico, per esempio, che è riuscito a farmi ridere con Pirandello. Il che – bisogna ammetterlo – è francamente difficile. Eppure la sua messa in scena di Così è (se vi pare), lo scorso anno, aveva momenti di divertimento puro.

Riuscirà – mi sono detto – con questa nuova sfida, Misery, a regalare al pubblico anche momenti di terrore puro? Quel terrore che ti fa divorare le pagine di un libro, ma a teatro ti tormenta le mani e ti stringe lo stomaco, mentre siedi agitato sulla tua poltrona di spettatore.

Misery - Filippo Dini e Adriana Scommegna

Visto ieri sera al Comunale di Monfalcone (nel circuito teatrale del Friuli Venezia Giulia, ma la tournée continua già dalla prossima settimana nelle Marche), lo spettacolo procura al pubblico lo stesso nodo allo stomaco che libro e film erano già riusciti a suscitare.

Ma non è solo per il talento narrativo di King. O per il ricordo delle scene più pulp, con Kathy Bates che maneggia coltello, mazza, sega elettrica…

Misery - Adriana Scommegna e Filippo Dini

Qui ci sono due fra i migliori attori italiani della generazione quarantenne, Arianna Scommegna e lo stesso Dini, che con questa vicenda estremista, ma delicata e millimetrica nel meccanismo psycho che la costruisce, danno le loro prove più stimolanti per uno spettatore.

Migliori – lo posso anche dire – anche di altre interpretazioni, per le quali sono stati premiati. L’Ubu 2014 per lei, diretta da Peter Stein nel Ritorno a casa di Pinter (ma pinteresca ha saputo essere anche con la regia di Binasco). La Maschera d’oro per lui in Il discorso del re (2013).

Qui il bello è che lui, lo scrittore, obbligato al letto da fratture e tumefazioni, deve dirle tutte sdraiato e immobile le proprie battute. Come danzare su una gamba sola, e per di più rotta. E che lei, oltre all’attitudine inquietante, a quell’andatura sghemba, sa far recitare pure i capelli. Virtuosismi di scena.

Misery - Adriana Scommegna e Filippo Dini

Quindi, se qualche locandina annuncia Misery, nel teatro vicino a casa vostra, non trascuratela. Non pensate che libro e film siano sufficienti. Misery, il suo scrittore, la sua psicopatica ammiratrice, non possono morire. Hanno un impatto anzi che, dopo decenni, riesce ancora a mettervi paura.

Ne vedete in boccone qui sotto:

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MISERY
tratto dal romanzo di Stephen King
traduzione Francesco Bianchi
con
Filippo Dini, Arianna Scommegna, Carlo Orlando
musiche Arturo Annecchino
scene e costumi Laura Benzi
luci Pasquale Mari
regia Filippo Dini
assistente alla regia Carlo Orlando

produzione Fondazione Teatro Due, Teatro Nazionale di Genova, Teatro Stabile di Torino – Teatro Nazionale

Fotografie: ph. Francesco Bianchi

19K e quel lettore dell’Azerbaigian

Tra i lettori e le lettrici di QuanteScene! ce n’è uno – uno solo – che vive in Azerbaigian. L’ho scoperto oggi, 31 dicembre. 

Mi chiedo e gli chiedo: perché uno che vive in Azerbaigian si interessa alle cose che accadono nei teatri qui intorno, come dice il sottotitolo di questo blog?

La stessa cosa potrei domandare a quello che vive in Senegal (o perlomeno, dal Senegal si è connesso), sempre uno solo. O a quello equadoregno, a quello islandese. Chissà, magari su QuanteScene! ci arrivano un po’ per caso.

Magari un po’ per caso ci arrivano anche gli altri 19k (gli altri diciannovemila) che sono approdati qui dall’aprile 2017 (cioè da quando si è inaugurato questo blog) a oggi.

cartellino 19k

Oggi, che è il 31 dicembre, il giorno che ci si fa gli auguri. Insomma: buon nuovo anno a tutti i diciannovemila, soprattutto a quelli e quelle che vivono in Azerbaigian, a Singapore, a Malta, nella Città del Vaticano…

statistiche sito robertocanziani.eu al 31_12_19

19k və Azərbaycanda bir oxucu

QuanteScene oxuyanlar arasında! Azərbaycanda yaşayan biri var, yalnız biri var. Bu gün, 31 dekabrda bildim.

Görəsən, Azərbaycanda yaşayan kimsə bu bloqun alt yazılarında deyildiyi kimi, ətrafındakı teatrlarda baş verənlərə niyə əhəmiyyət verir?

Eyni şeyi Seneqalda yaşayan birinə (və ya heç olmasa, Seneqaldan bağladı) soruşa bilərdim, yalnız bir. Və ya Ekvador, İslandiya bir. Kim bilir, bəlkə QuanteScene-də əldə edirlər! təsadüfən.

Bəlkə təsadüfən və ya məqsədlə digər 19k (yəni on doqquz min) 2017-ci ilin aprel ayından (yəni bu bloq açıldığı gündən) bu günə qədər buraya endi.

Bu gün, 31 dekabr. Özümüzə xoş bir yeni il arzuladığımız gün. Beləliklə, bir sözlə: bütün on doqquz min nəfərə, xüsusilə də Azərbaycanda, Sinqapurda, Maltada, Vatikan şəhərində yaşayanlara təbrik edirəm …

19k and one reader living in Azerbaijan

Among the readers of QuanteScene! there is one, only one, who lives in Azerbaijan. I found out today, December 31st.

I wonder: why does someone who lives in Azerbaijan care about the things that happen in the theatres around here, as the subtitle of this blog says?

The same thing I could ask to the one living in Senegal (or at least, who from Senegal has connected), one only again. Or to the Ecuadorian one, to the Icelandic one. Who knows, maybe they got on QuanteScene! by chance.

Maybe by chance, maybe on purpose, other 19k (that is, nineteen thousand) have landed here since April 2017 (ie. since this blog was inaugurated) to today.

Today, which is December 31st. The day we wish ourselves a happy new year. So, in short: happy new year to all nineteen thousand, especially to those who live in Azerbaijan, Singapore, Malta, in the Vatican City…

C’era una volta l’ufficio stampa. E magari c’è ancora

A teatro ci sono professionisti che non si vedono. Si vedono però i risultati del loro lavoro. I professionisti della comunicazione, per esempio.

A chi fatica negli uffici stampa, agli invisibili social media manager, ai grafici web che ogni giorno bisticciano con la press area, è dedicato questo mio reportage sulla professione, apparso sul numero 3 / 2019 della rivista Hystrio, all’interno del dossier sull’operatore teatrale.

social paura

C’era una volta Lucherini. E c’erano le lucherinate, che altro non erano se non gran belle trovate per mettere un po’ di pepe sui giornali. Colpi di genio che oggi prenderebbero il nome di strategie di comunicazione.

L’ufficio stampa all’italiana nasce proprio con Enrico Lucherini, il press-agent che nel nostro Paese ha inventato un mestiere, facendo anche la fortuna di parecchie star. 

Anni Cinquanta, il giovane Lucherini si diploma all’Accademia a Roma: non gli sarebbe dispiaciuto fare l’attore. Lo dissuade però Sofia Loren: “Tu devi promuovere i film, mica interpretarli”. Alle dive non si può dire di no. Così, su due piedi, lui si trasforma in addetto stampa e mette frutto ogni malizia comunicativa.

Il press-agent e le lucherinate

Ci sono lucherinate che restano ancora nella storia dello spettacolo italiano. La parrucca di Sandra Milo che prende fuoco e Roberto Rossellini che gliela strappa, salvandole la vita. Il flirt tra Florinda Bolkan e Richard Burton, con Liz Taylor che sviene. I finti pompieri che salvano Mariangela Melato da un finto incendio. “Non ho mai capito se i direttori dei giornali lo sapevano che erano tutte balle, oppure se le bevevano davvero” commenterà, anni dopo, l’attrice. Ma gli articoloni uscivano.

La lucherinata più bella, secondo me, è quella che ha tra i protagonisti Luca Ronconi. Paparazzato dal principe dei fotoreporter romani, Tazio Secchiaroli, il giovane Ronconi offre come San Martino un lembo della propria giacca affinché la danzatrice turca Aiché Nanà, assoldata da Lucherini e Fellini, non si prenda un raffreddore con lo spogliarello improvvisato durante una festa in un locale del centro della capitale. Scandalo e polizia. L’orgia dell’aristocrazia romana titolano ‘a lenzuolo’ i giornali. Ma il gioco è fatto. Siamo nel 1958: si apre la Dolce vita italiana. Anche per gli uffici stampa. 

Lo spogliarello di Aiché Nanà al Rugantino (e la riprovazione delle signore presenti)

I fondatori americani

Certo, lo stile era decisamente provinciale. Molto lontano da quello che i maestri delle pubbliche relazioni avevano insegnato e messo in pratica negli Stati Uniti, mezzo secolo prima.

Edward Bernays, uno tra i più influenti uomini d’America, nipote di Freud, inventore della persuasione occulta e della propaganda (quella di Goebbels) era stato, negli anni Dieci, il press agent americano dei Ballets Russes e di Enrico Caruso. E il suo metodo, l’aveva poi applicato alla politica e all’industria. Era perfino riuscito a convincere le donne a fumare.

Un altro fondatore della professione, Ivy Lee, nel 1906 aveva inventato e dettato le regole del comunicato stampa: concisione, chiarezza, condivisione.

L’ufficio stampa all’italiana, che dal cinema sarebbe presto passato anche allo spettacolo dal vivo, applicava tecniche un po’ più domestiche, per quanto efficaci, e continuerà ad applicarle per molto tempo: quelle del gossip o l’elemosina del pezzo. Resta proverbiale il ritornello di un’influente addetta stampa italiana che ad ogni festa, pubblica o privata, abbordava chiunque fosse in grado di tenere una penna in mano, cronista di nera o scrittore di successo, avanzando la sua richiesta: “Amoreee, me lo fai un pezzettino?

press badge per ufficio stampa

Tipicamente femminile

Non c’era infatti bisogno di aver studiato public relations o marketing. Né di praticantato presso i giornali. Era un mestiere tipicamente femminile, quello dell’ufficio stampa all’italiana nel settore dello spettacolo. Disinvoltura nella conversazione, folta rubrica di contatti, sapiente uso del telefono, intensa vita sociale e una rete allargata di conoscenze facilitavano enormemente chi si dedicava a questo settore, sempre più importante via via che dalla carta stampata la comunicazione si allargava a radio e televisione. 

Il professionismo, quello vero, abitava intanto le istituzioni maggiori e i festival più importanti. E si distingueva lo stile aziendale di Dolores Radaelli al Piccolo di Milano, di Mario Natale e Gianna Volpi al Festival di Spoleto, di Adriano Donaggio alla Biennale di Venezia, solo per fare i nomi più rilevanti. Ognuno con un proprio metodo, il proprio indirizzario tenuto stretto, e rapporti personalizzati con le figure chiave (i critici, il capiservizio di cultura e spettacoli, in certi casi perfino i direttori delle testate). Mentre c’era chi inaugurava già i primi fenomeni di esternalizzazione, e si formano e crescevano le agenzie specializzate di comunicazione per lo spettacolo. Service, si diceva allora. Nel frattempo il profilo professionale si consolidava facendo dell’addetto stampa, prima che dell’artista, l’interlocutore privilegiato del giornalista. Il suo facilitatore, il suo tramite, la sua fonte.

comunicazione e ufficio stampa

E poi, il digitale 

Tutto cambierà, come se quel mondo fosse investito da un tromba d’aria, con l’avvento del digitale. Prima il computer, la videoscrittura, e la necessità, per gente abituata alla macchina per scrivere, di affrontare un primo gradino tecnologico.

Poi la posta elettronica, che manda in cantina i comodi fax e le vecchie fotocopiatrici imponendo incomprensibili regole di netiquette (il galateo della Rete, c’è ancora oggi qualcuno che lo ignora).

Infine la supremazia della Rete, che ribalta l’organigramma ‘militaresco’ e la gerarchia a piramide della carta stampata. Il mondo della comunicazione si orizzontalizza. La laurea e i tirocini in Scienze della Comunicazione diventano indispensabili. 

Con il passaggio della comunicazione al web, un mondo di regole e di abitudini da ufficio stampa si sgretola e perde le proprie sicurezze. Perché a cambiare, prima di tutto, è il giornalismo culturale. Non solo nuove testate, nuove firme, nuove scritture: anche una sostanziale perdita di autorevolezza della critica (o secondo alcuni una sua trasformazione) e una diversa agenda di notiziabilità. Più interviste e meno recensioni, più anticipazioni e meno analisi a posteriori, tante immagini, a cascata, ora che alla macchina fotografica si alternano potenti smartphone dedicati.

Infine, il colpo decisivo all’ufficio stampa: la pervasività degli strumenti social che spostano l’attenzione sulla figura del social media manager e impongono una trasformazione linguistica. Va in pensione l’Ufficio Stampa e sul biglietto da visita si trova scritto Media and Communication Department. La cartellina tipo Bristol finisce nella spazzatura, sostituita dai press-kit digitali.

cloud della comunicazione 2.0

Sacrosanti principi

In una metamorfosi così rapida, com’è stata quella del 2.0, non si perdono però i sacrosanti principi che stanno alla base di una efficace comunicazione d’azienda: il saper tagliare la notizia sulle caratteristiche di ciascun media e, perché no, di ciascuna testata o giornalista (la sartoria, il tailoring), la costruzione di un’immagine aziendale integrata, in cui scrittura (soprattutto i comunicati, che restano uno strumento imprescindibile) e immagine (soprattutto i filmati, nel loro ruolo di veicoli emozionali) consolidano lo storytelling aziendale. E soprattutto non cambiano comportamenti etici quali la trasparenza, la credibilità, l’affidabilità nel rapporto professionale.

A cambiare invece è una deontologia che nel passato separava in maniera netta il ruolo del giornalista e quello del comunicatore. Faccenda che oggi, con la diversa articolazione del lavoro intellettuale, sempre più versatile, flessibile, liquido, precario, volatile (lascio a chi legge la scelta del termine preferito) integra in una nebulosa spesso ambigua tutti i professionisti della comunicazione. Un forma di consociativismo di settore in cui riesce a volte difficile distinguere tra informazione e promozione, giornalismo e pubblicità.

Sono le stesse arti dello spettacolo dal vivo, del resto, a mettere in crisi alcune delle più solide certezze sulle quali, per secoli, quelle arti si sono fondate: la distinzione tra la professionalità attiva del performer e la percezione passiva spettatore. I contemporanei modelli partecipativi di teatro, danza, musica, e la dissoluzione – in certi casi – del diaframma tra palco e platea stanno a dimostrare che i modelli relazionali cambiano, e cambia pertanto la pratica delle professioni.

Così non stupisce non sentire più, all’inizio dello spettacolo, la solita registrazione più o meno simpatica che invita a spegnere i telefonini. Anzi, ecco farsi avanti sul palco qualcuno che in modi accattivanti strilla: “fotografate, filmate, fate pure… e mi raccomando postate subito sui vostri canali social: ci aspettiamo una marea di like, di retweet, di condivisioni“.

La morte dell’ufficio stampa sembra lì ad un passo. Ma di altro non si tratta che di una finta morte annunciata. Un’altra lucherinata, insomma.

[pubblicato nel numero 3 /2019 della rivista Hystrio, nel dossier L’operatore teatrale, a cura di Laura Bevione e Albarosa Camaldo]

Per Ida Bassignano, che con un libro ci ha lasciati

Ha scritto il libro più importante della sua vita e lo ha pubblicato. Subito dopo, ci ha lasciati. È successo ieri notte, improvvisamente. Come se fosse da sempre stabilito che alla fine del tuo lavoro, se lo hai fatto bene, è giusto riposare.

Ida Bassignano

Regista, autrice teatrale e radiofonica, scrittrice, saggista, Ida Bassignano ha attraversato con determinazione e passo sicuro il teatro italiano di tutto lo scorso cinquantennio. Non era affatto facile, negli anni ’70, nel periodo delle cantine romane, declinare al femminile la parola regista, e nemmeno la professione. Ma Bassignano aveva le idee e la tempra per farlo.

Due incontri segnano la sua carriera. Quello con Luca Ronconi, allora quarantenne, a cui fa da aiuto per Utopia, spettacolo utopico fin dal titolo, mai realizzato completamente, che lascia un segno forte a Venezia, nell’edizione 1975 delle Biennali Teatro da lui dirette. Con Ronconi, Bassignano avrà modo di lavorare anche per l’allestimento di Opera di Lucano Berio e dell’Uccellino azzurro di Maeterlinck (entrambi 1981).

copertina di L'Utopia di Luca Ronconi, by Ida Bassignano

L’altro incontro, che le assicura in pieno il titolo di regista, è quello con Piera Degli Esposti. Assieme, attrice e regista realizzano uno dei più memorabili ribaltamenti di letteratura in teatro. Molly cara (1979) è il lungo flusso di coscienza con cui James Joyce porta a termine il suo Ulisse. Svagata e originale, la voce di Degli Esposti lo consegna alla storia del teatro italiano recente. Così come la regia di Bassignano ne fa un punto fermo nel genere dei monologhi.

locandina di Molly cara, con Piera Degli Esposti, regia Ida Bassignano

L’Utopia di Ronconi, secondo Bassignano

Il suo libro più importante – L’Utopia di Luca Ronconi, pubblicato da Ianieri Editore (2019) e solo da pochi giorni in libreria, anche online su Amazon – Bassignano l’ha realizzato con cura e tra mille ostacoli. Di quell’Utopia a Venezia, negli ex cantieri navali della Giudecca, non restano che alcune fotografia. Una ripresa filmata, l’unica, sembra addirittura essersi volatilizzata. È dunque un minuzioso lavoro di memoria quello che l’autrice fa, restituendo quasi dal vivo quel tempestoso allestimento che assume, negli annali del teatro italiano, la grandezza di un kolossal demolito dagli imprevisti.

Una fantasmagorica sfilata di trentatré attori, sei automobili, un camion, una corriera e persino un piccolo aereo Piper, che doveva svolgersi su una strada di 60 metri per 10, con pubblico previsto su tribune laterali: era uno spettacolo in cammino” scrive Bassignano. “Lo spettacolo era costituito da cinque commedie di Aristofane e prodotto da festival internazionali. Non si parlava solo di utopie sociali e politiche, ma la rappresentazione stessa era una sorta di utopia con tutte le difficoltà logistiche e climatiche di un’estate particolarmente piovosa“.

Così è davvero divertente leggere i mille accidenti a cui, a Venezia, ma anche in altre capitali, lo spettacolo andò incontro. In quel clima di battaglia, Bassignano guidava pure un camion nella scena finale.

Ma accanto al lavoro di regia, oltre che con Ronconi e Degli Esposti, la sua carriera è stata anche quella di sceneggiatrice, autrice radiofonica e di romanzi (dal suo Piemonte, ha ricavato nel 2016 un titolo abbastanza autobiografico, Maria d’Berlòc). Aveva inoltre collaborato con il quotidiano l’Unità per una rubrica dal titolo ironicamente presago ora: “La cara estinta, ritrattini di fine secolo“.

Per rammentarne la tempra, ecco qui sotto, tratti dalla grande enciclopedia di Internet, due documenti che vi consiglio di guardare e di ascoltare.

Una ripresa di Molly cara e una intervista a Bassignano , ora conservata nelle Teche Rai (clicca qui per ascoltare).

Breaking news 3. I Premi Giovani realtà del teatro a Udine

In un dicembre in cui si susseguono premi e riconoscimenti teatrali (vedi un post precedente), si è svolta oggi a Udine, all’Accademia “Nico Pepe“, la dodicesima edizione del Premio “Giovani realtà del teatro”.

La maratona di teatro riservata ai progetto under 35, è iniziata in mattinata e si è conclusa alle 20.30, momento in cui le diverse giurie previste dal regolamento hanno assegnato premi e riconoscimenti ai 23 progetti finalisti.

• La Giura Artistica ha scelto come vincitori ex aequo i progetti:

  • DALL’ALTRA PARTE/ 2+2=? (Campania – Compagnia Putéca Celidònia; regista: Emanuele D’Errico; aiuto regia: Marialuisa Diletta Bosso; attori: Emanuele D’Errico, Dario Rea, Francesco Roccasecca)
  • LA PRINCIPESSA AZZURRA (Svizzera – regista e attrice Saskia Simonet, attori Martin Durmann, Simion Thoni e Simone Fiore).

La principessa azzurra. Ph. Alice BL Durigatto / Phocus Agency

• Al progetto PRESENTE! (Emilia Romagna – regia collettiva della compagnia “Chièdiscena”; attori: Davide Albanese, Camilla Bertinato, Diego Delfino, Marcella Faraci, Giorgia Forno, Carlo Golinelli, Giuspeppe Monastra, Michele Onori, Marina Scordino) è stato assegnato il premio della Giura Giornalisti, intitolato quest’anno all’attore a Omero Antonutti, recentemente scomparso.

• Per la categoria Monologhi il vincitore è EDIP* (Lazio – regista e attore: Michele Ragno; autrice Maria Luisa Maricchiolo) .

• La Giuria Docenti della Nico Pepe ha votato per BIANCA STELLA / BALLATA PER PICCOLE COSE (Lombardia/Liguria – regia: Giulia Lombezzi; attrici: Michela Caria, Marzia Gallo).

• Vincitore votato dagli Allievi della Nico Pepe è il monologo LA MOGLIE PERFETTA (Lazio – drammaturgia e attrice: Giulia Trippetta ) che ha ricevuto anche una Menzione speciale.

• Il Direttore dell’Accademia “Nico Pepe”, Claudio de Maglio, ha assegnato un premio speciale al progetto SETE (Lazio – regia: Lorenzo Parrotto; Attore Giorgio Sales; drammaturgo Walter Prete) che ha vinto anche la Residenza artistica della regione Lazio Periferie Artistiche;

• È stata inoltre assegnata una menzione speciale a PORCELLINA, testo del drammaturgo ivoriano Koffi Kwahulé, presentato dalla Compagnia Rusalka Teatro – (Lombardia ; regia : Enrico Lofoco, attori: Caterina Luciani, Emanuele Turett ).
Mentre da parte del pubblico in sala è stata nuovamente votata LA PRINCIPESSA AZZURRA.

Breaking news 1. I premi di Rete Critica 2019

Percorso artistico

L’uomo che cammina di Dom vince l’edizione 2019 dei Premi Rete Critica, nella categoria PERCORSO ARTISTICO.

Ideazione, drammaturgia e regia DOM- / Leonardo Delogu, Valerio Sirna, produzione Teatro Stabile dell’Umbria ,organizzazione e guida Francesca Agabiti, liberamente ispirato all’omonimo fumetto di Jiro Taniguchi.

Segui il link a DOM,

Progettazione organizzativa

Per la categoria PROGETTO ORGANIZZATIVO la scelta della giuria ha premiato Moby Dick – Teatro dei Venti.

Ideazione e regia Stefano Tè, adattamento drammaturgico Giulio Sonno. Ideazione allestimento scenico Stefano Tè e Dino Serra; progettazione e realizzazione Dino Serra e Massimo Zanelli. Con Oksana Casolari, Marco Cupellari, Daniele De Blasis, Alfonso Domínguez Escribano, Federico Faggioni, Talita Ferri, Alessio Boni, Francesca Figini, Davide Filippi, Hannes Langanky, Giovanni Maia, Alberto Martinez, Amalia Ruocco, Antonio Santangelo, Mersia Valente, Elisa Vignolo.
Una produzione Teatro dei Venti, in co-produzione con Klaipeda Sea Festival (Lituania), con il sostegno della Regione Emilia Romagna, del Comune di Modena e della Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, con il contributo del Comune di Dolo (VE) in collaborazione con l’Associazione Echidna.

Segui il link al Teatro dei Venti.

Strategia comunicativa

Per la categoria STRATEGIE DI COMUNICAZIONE, la vittoria è invece andata a Fattoria Vittadini.

In particolare per il Festival del silenzio, piattaforma aperta all’accessibilità e alla inclusione.

Segui il link a Fattoria Vittadini.

Tutti gli Ubu, minuto per minuto. In diretta, i finalisti 2019

I Premi Ubu sono i selfie del teatro italiano. Ogni anno fotografano lo stato dell’arte delle nostre scene e decretano la nobiltà teatrale di alcuni artisti, alcuni titoli, alcune scritture.

il database Premi Ubu 2019

Non sono i soli premi italiani, naturalmente, ma vuoi per l’anzianità (siamo alla 42sima edizione) vuoi per essere stati ideati da Franco Quadri a fianco del mitico Patalogo, sono quelli che scatenano la curiosità maggiore.

Siamo in una sessantina, tra osservatori di teatro e spettatori professionisti, a individuare le terne dei finalisti che concorrono, ogni anno, alla fase finale dei Premi Ubu. Che si terrà, per questo 2019, al Teatro Studio Mariangela Melato del Piccolo di Milano, lunedì 16 dicembre (ore 20.30).

Da Bologna, dove in questi giorni staziona la roulotte del Little Ubu Palace, in diretta, ecco l’annuncio delle nomination.

In collegamento radiofonico, intanto, all’interno della trasmissione Piazza Verdi (su RadioTre), dalle 15.10, c’è Massimo Marino che snocciola le terne per ciascuna categoria.


Eccoli qua, i finalisti dei Premi Ubu 2019

Spettacolo dell’anno
Aminta – Antonio Latella
La classe – Fabiana Iacozzilli
Un nemico del popolo – Massimo Popolizio
Quasi niente – Deflorian Tagliarini

Migliore spettacolo di danza
Bermudas – Michele di Stefano
Mbira – Roberto Castello Aldes
Nudità – Mimmo Cuticchio e Virgilio Sieni

Migliore curatore/curatrice o organizzatore/organizzatrice
Elena Di Gioia
Settimio Pisano
Michele Mele 

Migliore regia
Lisa Ferlazzo Natoli – When the rain stops falling
Fabiana Iacozzilli – La classe
Valer Malosti – Se questo è un uomo
Massimo Popolizio – Un nemico del popolo

Miglior progetto luci
Luigi Biondi – When the rain stops falling
Simone De Angelis – Aminta
Gianni Staropoli – Quasi niente

Miglior progetto sonoro
Gup Alcaro -Se questo è un uomo
Hubert Westkemper – Lo Psicopompo e La classe
Tommaso Q. Danisi – Cuore di cane

Migliori costumi
Manuela Dall’Aglio – Naturae
Gianluca Falaschi – Orgoglio e pregiudizio e When the rain…
Andrea Viotti – I giganti della montagna

Miglior progetto scenografico
Fiammetta Mandich – La classe
Stefano Tè, Dino Serra e Massimo Zanelli – Moby Dick
Paola Villani – Il canto della caduta

Migliore attore o performer
Lino Musella – The night writer Giornale notturno
Michelangelo Dalisi – Aminta
Massimo Popolizio – Un nemico del popolo

Migliore attrice o performer
Licia Lanera – Cuore di cane
Milvia Marigliano – Lo psicopompo
Maria Paiato – Un nemico del popolo

Miglior attore o performer Under 35
Andrea Argentieri – Se questo è Levi
Daniele Fedeli – Lo strano caso del cane ucciso a mezzanotte
(solo due nomination)

Miglior attrice o performer Under 35
Elena Cotugno – Medea per strada
Marina Occhionero – Per il tuo bene
Matilde Vigna – diversi spettacoli

Miglior nuovo testo italiano o scrittura drammaturgica
L’abisso – Davide Enia
In nome del padre – Mario Perrotta
Si nota all’imbrunire – Lucia Calamaro

Migliore nuovo testo straniero o scrittura drammaturgica
Les époux – David Lescot
Tebas Land – Sergio Blanco
When the rain stops falling – Andrew Bovell

Migliore spettacolo straniero presentato in Italia
– El bramido de Duesseldorf – Sergio Blanco
– Imitation of Life – Kornél Mundruczó
– The Repetition – Milo Rau

Che farò senza Euridice? Potrei indossare un visore e come Orfeo incamminarmi tra i pixel

Per dieci giorni ancora si può scendere nel regno dei morti. Lungo la stessa strada che aveva percorso Orfeo, alla ricerca di Euridice. Una nuova produzione Css, teatro stabile di innovazione, a Udine, ricostruisce l’avventura per spettatori singoli.

Il Labirinto di Orfeo ricostruito in realtà virtuale

Spettacolo su appuntamento, dicono le istruzioni.

Se frequentate i teatri , a volte capita che non si formi la piccola comunità degli spettatori – cento, duecento, mille persone – e che l’incontro invece sia un tu per tu, un rendez vous personale. Un abboccamento, dice il dizionario. Non il teatro che di solito abbiamo in mente. Ma un teatro immersivo, sensoriale, individuale.

Nel Labirinto di Orfeo, spettacolo che si iscrive in queste categorie, si entra su appuntamento, soli, a piedi nudi, senza telefonino. Si lascia fuori il mondo e per una mezz’ora si è unici, singoli, a tu per tu con mito e mistero. Orfeo, la vita, la morte,

Conoscete tutti – credo – la storia di Orfeo. Da tre millenni, è il musicista più bravo. Con le sue melodie incanta persone, animali e dei. Ha perso la sua donna, Euridice, morsa da un serpente, e scende fin sottoterra per riportarla in vita. Ce lo raccontano Platone e Ovidio, tanti lavori letterari, teatrali, soprattutto tante composizioni musicali. Di ieri e di oggi.

Conoscete anche – suppongo – il suo famoso lamento, un’aria che resta nella storia della musica. Scritta da Gluck, l’hanno cantata soprani, mezzo-soprani, contralti, tenori e – data l’epoca, il Settecento – pure castrati. Commuove e resta nei ricordi, anche a sentirla una volta sola.

Immaginate di trasformare quel canto, quelle frasi, in sensazioni. Di tradurle in un’esperienza tattile, in una bolla di suoni vaghi e evocativi odori, in parole sussurrate all’orecchio, in un percorso affrontato al buio, come quello che portò Orfeo giù, fin nell’aldilà, per strappare alla morte la sua Euridice.

Questo è Il Labirinto di Orfeo, avventura per singoli spettatori che al buio, bendati, in una penombra insicura, ripercorrono la strada che lui aveva fatto per ricongiungersi con lei. E perderla di nuovo, come vuole beffardo il mito.

Orfeo rimasterizzato

Ero entrato nel Labirinto di Orfeo tanti anni fa, venticinque. Mi avevano invitato cinque attori, molto giovani allora, che si chiamavo Alessio Boni, Luigi Lo Cascio, Pietro Faiella, Rita Maffei, Sandra Toffolatti.

Sandra Toffolatti nel Labirinto di Orfeo, 1992

Avevo scritto, in quella occasione:
(…) Udito, tatto, olfatto, gusto sono i veri protagonisti di questo percorso dove la vista non è più padrona, sia per la scelta del buio come sfondo del racconto, sia per l’effetto, a un certo punto, di una benda sugli occhi, che alimenta un rapporto di fiducia fra il visitatore e le sue guide. A piedi scalzi, incerto sulla strada da seguire, egli deve affidarsi a un piccolo gioco di spostamenti che lo spingerà ad ascoltare il narrare lieve di fanciulle vestite di bianco, o a percepire gli aromi di essenze odorose diffusi in piccole stanze foderate di veli. Lasciarsi andare, lasciarsi guidare, è il segreto per affrontare l’avventura del Labirinto, delle sue voci narranti, delle sue sorprese. (Il Piccolo, 12 maggio 1992)

Sottoscrivo tutto. Perché, riallestito da Rita Maffei e minuziosamente ricostruito Luigina Tusini, in quel Labirinto sono entrato di nuovo qualche giorno fa. E di nuovo ho sperimentato quelle sensazioni. Grazie al lavoro di altri, altrettanto efficaci performer (li troverete citati nella locandina, più in basso)

Formidabili quei pixel

Venticinque anni sono tanti e nel mondo tante cose sono cambiate. La propensione tecnologica delle arti dello spettacolo dal vivo, ad esempio.

Così a questo Labirinto “rimasterizzato”, riconsegnato allo spettatore, oggi si affianca anche un avanzatissimo Labirinto di Orfeo VR, cioè di realtà virtuale, ridisegnato con programmi di grafica tridimensionale e visori. Sempre su appuntamento.

Qui sarete davvero soli, e oltre al telefonino avrete lasciato alle vostre spalle anche il vostro mondo. Dopo aver indossato un visore VR, ciò che vedrete sarà un pianeta immaginario, gemello di quelli che quasi un secolo fa edificava l’incisore Maurits Cornelis Escher, il più tenace illusionista del Novecento.

Maurits Cornelis Escher – Altro Mondo (1947)

Questa ulteriore avventura in solitaria sulle orme di Orfeo, questo pianeta che c’è ma non esiste, sono stati progettati e implementati da Alessandro Passoni e Saul Clemente.

Raccomanderei davvero, una volta che abbiate vissuto sensorialmente la favola di Orfeo, di affrontarla anche virtualmente. Scoprirete l’efficacia di una mitologia computerizzata. E il potere dei pixel: vostri futuri geometri di sogni e illusioni.

Il labirinto di Orfeo VR

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PROGETTO LABIRINTI 2.0

dallo spettacolo 1992 creato da Alessio Boni, Pietro Faiella, Luigi Lo Cascio, Rita Maffei, Sandra Toffolatti
messa in scena 2019 Rita Maffei
con Manuel Buttus, Ada Delogu, Natalie Norma Fella, Klaus Martini e Nicoletta Oscuro
e i partecipanti al laboratorio di teatro sensoriale: Mario Bodini, Ilaria Borghese, Sabrina Cappellaro, Elisa Cattarinussi, Emanuela Colombino, Manuela Daniel, Laura Ercoli, Marta Ecoretti, Antonietta Ermacora, Cecilia Fabris, Daniela Fattori, Massimo Franceschet, Gianna Gorza, Elisa Mansi, Arianna Marzolini, Donatella Mazzone, Samuele Mergan, Emanuela Moro, Marta Parpinel, Maria Grazia Pizzutti, Martina Puzzoli, Enrico Regattin, Arianna Romano, Susanna Tomasin, Jacopo Tornaboni, Hava Toska, Claudia Traina, Sevin Anna Trantino, Rebecca Trevisano, Federica Visentin, Enea Zancanaro
allestimento scenografico Luigina Tusini
assistente Ada Delogu
direzione creativa, sviluppo applicazione VR Alessandro Passoni
VR artist Saul Clemente
produzione Css Teatro stabile di innovazione del FVG ⁄ Virtew

fino a domenica 8 dicembre 2019 (vai al sito Css – Teatro stabile di innovazione del FVG)


Per te perderò la testa, Giuditta. A Trend, tra gli appuntamenti 2019 con la scena britannica

A Roma, nel cartellone della rassegna Trend – nuove frontiere della scena britannica – debutta il 25 e 26 novembre Judith, un distacco dal corpo dell’autore londinese Howard Barker. Testo che il regista Massimo Di Michele affida all’interpretazione di Giuseppe Sartori, Federica Rosellini, Aurora Cimino. Rilettura contemporanea e tagliente (è il caso di dirlo) del racconto biblico di Giuditta.

Ho seguito le prove, che si sono svolte tra agosto e settembre nel progetto delle Residenze artistiche Artefici (vedi il sito), attivate a Gorizia da Artisti.Associati. Nel frattempo ho studiato anch’io il copione. La scrittura di Howard Barker scava e ribalta l’immagine di Giuditta, icona femminile biblica, eroina nazionale anzi, che i pittori hanno spesso ritratto nel suo gesto più clamoroso e raccapricciante: mentre taglia la testa a Oloferne.

Per avere le idee più chiare ho scritto un po’ di cose. Possono servire a entrare più facilmente in questa affilata storia. Le trascrivo qui sotto.

Giuditta di Howard Barker - regia Massimo Di Michele

Per te perderò la testa

A differenza di Salomè, che fece perdere la testa a Giovanni Battista, Giuditta non ha una grande visibilità teatrale. In compenso, in campo figurativo, sbaraglia la capricciosa danzatrice. Una spada taglia meglio di sette veli. E luccica di più.

Nel Libro detto appunto di Giuditta, la Bibbia riferisce di come Judith, ebrea morigerata, vedova e ricca, accompagnata dalla serva, si fosse introdotta nel campo dei nemici assiri, che assediavano la sua città, Betulia. L’intenzione era sedurre e ubriacare il generale Oloferne, per poi ucciderlo, salvando così il suo popolo dalla strage del giorno dopo. Missione portata a termine in modo meticoloso e con coraggio.

Trasferiscono Giuditta su tela o affresco, nientemeno che Botticelli, Mantegna, Giorgione, Tiziano, Michelangelo, Correggio e chissà quanti altri. Anche Cranach il vecchio e Gustav Klimt, naturalmente.

Iperrealisti prima dell’iperrealismo, Caravaggio e Artemisia Gentileschi ne fermano il momento saliente. La spada impugnata da Giuditta trapassa il collo barbuto di Oloferne. Un fiotto di sangue caldo sprizza dalla carotide e inonda il cuscino e il lenzuolo. Sembra di sentirne l’odore. Subito dopo, spiccata dal busto e ancora calda, la testa verrà riposta in un cesto. Israele è salvo.

Giuditta di Howard Barker - regia Massimo Di Michele

Un gesto patriottico

Quando riprende in mano la situazione, nel 1992, dopo aver scritto un primo abbozzo intitolato Le conseguenze impreviste di un gesto patriottico, il drammaturgo inglese Howard Barker tralascia tutto ciò che hanno fatto a teatro i suoi predecessori, compreso il tedesco Hebbel, cui si deve l’indagine più approfondita sul caso.

Freud e Lacan non sono passati invano e l’eroina del popolo, la salvatrice, Giuditta, mostra in Barker un comportamento complesso, stratificato, controverso. In lei si sommano pulsioni contrastanti e perverse. Non tradisce le tavole di Mosè, ma infrange i più primitivi e contemporanei tabù. Anche più estremi.

Non solo. È passato pure tanto teatro – postmoderno e dintorni – e i personaggi non si ritrovano più nella linearità della storia. Ci lasciano anzi credere di conoscere già la propria storia.

Giuditta di Howard Barker - regia Massimo Di Michele

Oloferne sa cosa accadrà a Oloferne. E non desidera altro: morire. La ruvidezza barbara è messa da parte e cresce invece in lui l’ansia esistenzialista. Secondo la storia, Giuditta lo dovrebbe ubriacare per portare a termine il suo piano. Peccato che l’Oloferne di Barker sia astemio. E Giuditta, più che nemica di quel nemico, ne sia sensualmente, mortalmente attratta.

Per tenerli sulla retta via, quella del racconto biblico, Barker assegna alla serva un rilievo che in nessun dipinto si era mai visto. Anzi, per il drammaturgo, è lei il propellente della vicenda omicida. La serva è la rappresentante e la volontà del popolo, la sua portavoce politica. Un’ideologa,dice Barker. 

Ognuno perfettamente sa cosa aspettarsi dall’altro. E dissimulare è sempre difficile. Raccontava Lacan l’incontro di due mercanti ebrei nello scompartimento di un treno: “Perché mi menti? Sì, perché mi menti dicendo che vai a Cracovia, affinché io pensi che vai a Lemberg, mentre vai veramente a Cracovia?”.

È complessa la psiche ebraica. E ha ragione l’Oloferne assiro e contemporaneo di Barker: c’è da perderci la testa.

Giuditta di Howard Barker - regia Massimo Di Michele

La locandina

locandina Judith di Howard Barker - regia Massimo Di Michele


Le immagini – dall’anteprima del 7/9/1019 al Teatro Verdi di Gorizia – sono di Giovanni Chiarot.