Christoph Marthaler e l’uomo che faceva cantare i caloriferi

Agile, portatile, essenziale, Aucune idée è lo spettacolo che il regista svizzero Christoph Marthaler ha presentato a Napoli, al Teatro Bellini, nel cartellone internazionale di Campania Teatro Festival. Un tuffo carpiato nell’assurdo. Quello dell’altro secolo.

Martin Zeller in Aucune idée - regia Christoph Marthaler - Campania Teatro Festival
Aucune idée – regia Christoph Marthaler

Ironico, o autoironico chissà, Christoph Marthaler ha voluto intitolare Aucune idée una di quelle operine che da tempo alterna a impegni più sostanziosi e regie musicali nei maggiori teatri d’Europa. Aucune idée, letteralmente, significa nessuna idea

Mai titolo fu più esatto, fatta la tara di quella autoironia, che come il sale, o il peperoncino, è un ingrediente abituale nei lavori del regista svizzero.

Christoph Marthaler
Christoph Marthaler

Marthaler: cavalcare la storia

Ho un bel ricordo del giovane Marthaler. Negli anni ’90, quando era quarantenne, il suo era il nome emergente del teatro europeo. Con Murx den Europäer (la presa in giro della Ddr-nostagia e dell’europeismo entusiasta, nati subito dopo la caduta del Muro), Marthaler lo svizzero sbaragliava registi centroeuropei assai più accreditati e maturi. Che stavano appena digerendo la svolta storica. Lui invece la cavalcava.

Sornione, un po’ stravolto, capelli lunghi e un cappellaccio rincagnato in testa, lo incontrammo una sera alla Volksbühne a Berlino, nella taverna del teatro. Le taverne sono i posti migliori nei teatri per incontrare gente. Davanti bicchieri di vino riempiti fino all’orlo, in un italiano impeccabile, Marthaler ci diede allora prova del suo pungente spirito.

La stesso che ritrovammo in altri spettacoli, successivi, più imponenti: Stunde Null, Winch only, Papperlapapp... Quelli che ce lo fecero conoscere meglio, e nei quali spiccava spesso, allampanata e originale, la figura di Graham F. Valentine

Guardate Valentine alla Cour des Papes di Avignone, mentre amoreggia con una lavatrice.

Papperlappap (2010) – regia Christoph Marthaler – ph Christophe Raynaud de Lage

Qui ne trovate anche un estratto video, dov’è vestito da arcivescovo.

Quel portamento stordito

Scozzese, capelli rossi e irrequieti, uno spiccato temperamento musicale e il dono di una parlantina sciolta, capace di destreggiarsi in ogni lingua, Valentine era entrato a gamba tesa nella teatrografia del regista fin da quando, studente a Zurigo, aveva preso alloggio nella pensione di famiglia dei Marthaler. Affiatamento immediato.

La sua flemma britannica, le cantatine in falsetto, il portamento stordito, l’impeccabile parrucchino, hanno da allora attirato l’occhio e l’orecchio dello spettatore in tanti importanti titoli del regista fino a farne una icona attesa.

Guida turistica cieca, Valentine trascinava in palcoscenico folle di onesti servitori dello stato in Stunde Null. O si accoccolava tra la mobilia malandata di casa in Das Weisse vom Ei. Che era una commedia di Labiche, rimaneggiata con spirito salace.

Puntando su questo singolare talento, Marthaler ha voluto costruire uno spettacolo-dedica al compagno d’avventure teatrali di sempre. E gli ha cucito addosso una sequenza di azioni per farlo davvero protagonista, maestro di cerimonie di scena in uno di quei “non luoghi” (sale d’attesa, aeroporti, stanze d’albergo…) che sono gli ambienti preferiti da Marthaler.

Sul pianerottolo

Nel caso di Alcune idée è un pianerottolo, sul quale si aprono molte porte. Dalle quali entrare e uscire, improbabilmente, come nelle commedie di Feydeau

È qui che Valentine di affanna ad aprire una cassetta postale, ma per una ventina di volte si lascia di mano il mazzo di chiavi. È qui che si finge scassinatore, ma rinuncia al colpo perché troppo faticoso per la sua indolenza. È qui che smonta e rimonta il radiatore del riscaldamento, fino a farlo cantare.

Graham F. Valentine e Martin Zeller in Aucune idée - regia Christoph Marthaler - Campania Teatro Festival
Aucune idée – regia Christoph Marthaler – ph. Julie Masson

Davanti a quel calorifero, lui stesso si cimenta poi nel recitarcantando di un classico dadaista. Il Ribble Bobble Pimlico di Kurt Schwitters, suo cavallo di battaglia da oltre trent’anni.

Tutte cose che sarebbero state bene in bocca al Joyce più misterioso, al Beckett più sperimentale, o in una delle pagine che il reverendo Carroll dedica ad Alice nel suo paese di meraviglie.

Graham F. Valentine e Martin Zeller in Aucune idée - regia Christoph Marthaler - Campania Teatro Festival
Aucune idée – regia Christoph Marthaler – ph. Julie Masson

Sotto i ponti del teatro

Sono questi i riferimenti, magari solo le suggestioni, che – nella mancanza di idee del titolo – Marthaler offre agli spettatori. Come se ci volesse far sorridere con le ripetizioni infinite, i dialoghi insensati , le battute surreali, quell’Assurdo che piaceva negli anni Cinquanta, quando era un’alternativa a lavori impegnati e realistici. 

Ma nel frattempo, tanta acqua è passata sotto i ponti del teatro. 

Così, con infinita comprensione, e uno sbuffo di noia, perfino gli spettatori più attenti attendono la fine degli 80 minuti di Aucune idèe

Li rincuora, qua e là, la viola da gamba di Martin Zeller, musicista dal vivo, ma un po’ anche attore, sparring partner che si destreggia tra Wagner e Bach, eseguiti anche loro col piglio ironico della ditta Marthaler. Che si sa, non risparmia nemmeno Tristano e Isotta

Ma siamo lontani da quello spirito caustico che motivava le aspettative.

Sarà che di tempo ne è passato. Che l’Europa è cambiata. Che l’ironia, migrante per natura, si è imbarcata per altri Paesi, su altre rotte.

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AUCUNE IDÉE

IDEATO E DIRETTO DA CHRISTOPH MARTHALER
DRAMMATURGIA MALTE UBENAUF
SCENOGRAFIA DURI BISCHOFF
MUSICHE MARTIN ZELLER
COSTUMI SARA KITTELMANN
LUCI JEAN-BAPTISTE BOUTTE
SUONO CHARLOTTE CONSTANT 
ASSISTENTE ALLA REGIA CAMILLE LOGOZ, FLORIANE MÉSENGE
COSTRUZIONE SCENOGRAFIA E OGGETTI DI SCENA THÉÂTRE VIDY-LAUSANNE
PRODUZIONE ANOUK LUTHIER
CON GRAHAM F. VALENTINE, MARTIN ZELLER
PRODUZIONE THÉÂTRE VIDY-LAUSANNE
COPRODUZIONE FESTIVAL D’AUTOMNE THÉÂTRE DE LA VILLE (PARIS), TEMPORADA ALTA – FESTIVAL INTERNATIONAL DE CATALUNYA GIRON/SALT, FONDAZIONE CAMPANIA DEI FESTIVAL – CAMPANIA TEATRO FESTIVAL, TANDEM SCÈNE NATIONALE,  MAILLON – THÉÂTRE DE STRASBOURG SCÈNE EUROPÉENNE, THÉÂTRE NATIONAL DE NICE – CDN NICE CÔTE D’AZUR, LE MANÈGE – SCÈNE NATIONALE, MAUBEUGE 

Dimitris Papaioannou. La scena è un toro. E va presa per le corna

Dopo il debutto di giugno a Lione, Trasverse Orientation, lo spettacolo creato da Dimitris Papaioannou, è stato ospite a Napoli, a Campania dei Festival. Toccherà prossimamente Torino Danza (dal 23 al 26 settembre) e il Festival Aperto di Reggio Emilia (dall’1 al 3 ottobre).

Dire capolavoro è scegliere una parola banale.

Transverse Orientation by Dimitris Papaioannou - ph Julian Mommert
Transverse Orientation – tutte le foto sono di Julian Mommert

La bestia

Un toro nero, enorme, aggressivo, irrequieto, si agita in scena. Da’ di corna, tenta l’assalto, mette paura. A manovrare il grande pupazzo – questa macchia mobile e scura che si staglia su uno sfondo bianchissimo – ci sono sei giovani uomini. Uno uguale all’altro, vestiti come Dimitris Papaioannou veste sempre i suoi uomini. Giacca e pantaloni neri, affusolati, camicia bianca, scarpe nere – l’uniforme dei suoi spettacoli.

La bestia scalpita. Uno degli uomini si spoglia – si spogliano sempre nei suoi spettacoli – lo fa lentamente e la sua figura nuda, esposta, bianca, si avvicina con mille cautele al toro. Tenta una prima carezza, poi un’altra. Offre il dorso della mano a quelle narici umide. Poi prova con l’acqua, in un secchio. La bestia ci infila il muso, ne sentiamo il rumore, si abbevera, si tranquillizza, diventa mansueta.

Transverse Orientation by Dimitris Papaioannou - ph Julian Mommert

Faranno una specie d’amore, più tardi, l’uomo e il toro. Lui lo prenderà per le corna e aderirà a quel corpo bestiale. Nella luce ora calda di un riflettore, diventeranno una cosa sola, una sola immagine. E al centro della scena, oppure di lato, quel toro accompagnerà noi spettatori per quasi due ore. Di immaginazione pura.

Transverse Orientation by Dimitris Papaioannou - ph Julian Mommert

L’architetto della materia

Ci sono immagini, in questo Tranverse Orientation, che rimarranno nella storia dello spettacolo contemporaneo. Come sono rimaste nella memoria le scene che hanno ideato Robert Wilson, Pina Bausch, Jan Fabre, Luca Ronconi.

Dimitris Papaioannou, greco, 57 anni, appartiene a quella stessa categoria di artisti. Dire regista, o coreografo, o pittore, è scegliere categorie dell’altro secolo. Papaioannou è un architetto delle materia. E anche il corpo è materia viva per lui, come lo sono l’acqua, il legno, la pietra, la plastica, le corde, gli abiti neri.

Con la materia Papaioannou compone quadri nitidi e bellissimi. In tre dimensioni. È un maestro dei chiaroscuri, delle nature morte. Ma dà pure vita a immagini mostruose. Ibridi animati e inanimati, creature di sogno: dite pure d’incubo, se avete paura della sua creatività estrema. 

Transverse Orientation by Dimitris Papaioannou - ph Julian Mommert

Ibridi

Un torso femminile si innesta su un addome di rettile e avanza verso la ribalta come uno dei mostri di Jeronimus Bosch. Una donna prima, un uomo poi, si intrappolano nella rete di un lettino pieghevole e con quell’oggetto avvolgente, pericoloso, combattono una battaglia mortale.

Una creatura marina, in proscenio, sotto i nostri occhi, cambia pelle e in questa muta diventa uomo, tra cascate di perline luminose. Omuncoli neri, corpo imponente, testolina minuscola a palla, si comportano come lemming, mentre salgono e scendono su scale snodabili di metallo.

Transverse Orientation by Dimitris Papaioannou - ph Julian Mommert

Centauri, sirene, satiri, arcimboldi, sono i soggetti di Transverse Orientation.

Impressiona la donna che nel riquadro di altarino a forma di vulva partorisce un neonato plastico, tra scrosci di liquido limaccioso. Ma poi diverte, quella stessa donna, quando simile a una fontana vivente inonda il palco di acqua con zampilli barocchi, a decine.

Una porta erutta blocchi e lastre di pietra. Schiavi neri devono spostarli, accumularli, sovrapporli in torrioni o colline pericolanti e sghembe. Che ricadranno fragorosamente a terra. Profili di atleti da vaso greco inutilmente si affannano a far roteare i cubi sui quali si ergono in equilibrio precario.

L’erotismo si mescola al divertimento. Rivaleggiano la nudità e il mistero. Vivaldi e le sue sonate, discretamente, in sottofondo, di tanto in tanto accompagnano le invenzioni.

Miti mediterranei

“Vi prego, non chiedetemi a chi o a che cosa mi ispiro, non lo so nemmeno io. È l’immaginario collettivo che mi si rovescia addosso, io so soltanto dargli forma” dice Papaioannou a chi con ostinazione stolta vuole conoscere le radici, le fonti, le intenzioni.

Non si riconosce nemmeno nel mito, che qui potrebbe abbondare: dal Minotauro cretese, a Sisifo esasperato, alle Veneri di Botticelli. “Per molto tempo ho fatto il pittore” dice e noi sappiamo che è stato allievo di un grande della pittura greca moderna, Yannis Tsarouchis, “adesso porto quelle stesse figure in scena”.

Come capita oramai in questo nuovo secolo, è l’artista a lanciare il sasso. Lo spettatore lo raccoglie e lo fa suo, riconoscendo in quelle immagini il proprio vissuto, le proprie esperienze, le proprie visioni.

Ed è facile, per noi mediterranei, pronipoti di Omero, riconoscersi negli archetipi e le favole della infanzia della nostra civiltà. “Ovunque io vada, la Grecia mi accora” scriveva Seferis.

Transverse Orientation by Dimitris Papaioannou - ph Julian Mommert

Così il paesaggio finale, l’affresco sublime che chiude Trasverse Orientation – e che non bisogna svelare – ci lascia negli occhi l’immagine dell’uomo che con il suo mocio vorrebbe asciugare il mare. Quel mare su cui siamo tutti nati.

Subito dopo scrosciano gli applausi.

Come ho fatto in altri post di QuanteScene!, dedicati a spettacoli di Papaioannou (clicca qui per Sisyphus) (e qui per Ink) , vi consiglio di dare un’occhiata al suo sito ma soprattutto al video di Transverse Orientation.

Che è di una bellezza impressionate e abnorme. Sarete d’accordo con me.

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TRANSVERSE ORIENTATION
Conceived – Visualized + Directed by DIMITRIS PAPAIOANNOU

With DAMIANO OTTAVIO BIGI, ŠUKA HORN, JAN MÖLLMER, BREANNA O’MARA, TINA PAPANIKOLAOU, ŁUKASZ PRZYTARSKI, CHRITOS STRINOPOULOS, MICHALIS THEOPHANOUS

Music ANTONIO VIVALDI 
Set Design TINA TZOKA + LOUKAS BAKAS
Sound Composition + Design COTI K. 
Costume Design AGGELOS MENDIS
Collaborative Lighting Designer STEPHANOS DROUSSIOTIS
Music Supervisor STEPHANOS DROUSSIOTIS
Sculptures + Special Constructions – Props NECTARIOS DIONYSATOS  
Mechanical Inventions DIMITRIS KORRES 

Creative – Executive Producer + Assistant Director TINA PAPANIKOLAOU
Assistant Directors + Rehearsal Directors PAVLINA ANDRIOPOULOU + DROSSOS SKOTIS
Assistant to the Set Designers TZELA CHRISTOPOULOU
Assistant to the Sound Composer MARTHA KAPAZOGLOU
Assistant to the Costume Designer AELLLA TSILIKOPOULOU
Special Constructions – Props Assistant EVA TSAMBASI
Photography + Cinematography JULIAN MOMMERT

Technical Director MANOLIS VITSAXAKIS
Assistant to the Technical Director MARIOS KARAOLIS
Stage Manager – Sound Engineer + Props Constructions DAVID BLOUIN  
Props Master TZELA CHRISTOPOULOU
Lighting Programmer STEPHANOS DROUSSIOTIS
Costumes Construction LITSA MOUMOURI, EFI KARATASIOU, ISLAM KAZI
Stage Technicians KOSTAS KAKOULIDIS, EVGENIOS ANASTOPOULOS, PANOS KOUSOUMANIS
Lighting Constructions MILTOS ATHANASIOU
Silicone Baby made by JOANNA BOBRZYNSKA-GOMES
Props Team NATALIA FRAGKATHOULA, MARILENA KALAITZANTONAKI, TIMONTHY LASKARATOS, ANASTASIS MELTIS, ANTONIS VASSILAKIS

Executive Production 2WORKS in collaboration with POLYPLANITY PRODUCTIONS
Executive Production Associate VICKY STRATAKI 
Executive Production Assistant KALI KAVVATHA
Props Production Manager PAVLINA ANDRIOPOULOU
International Relations + Communications Manager JULIAN MOMMERT

A production of ONASSIS STEGI 
To be first performed at ONASSIS STEGI (2021)

Co-Produced by FESTIVAL D’AVIGNON, BIENNALE DE LA DANSE DE LYON 2021, DANCE UMBRELLA / SADLER’S WELLS THEATRE, FONDAZIONE CAMPANIA DEI FESTIVAL – NAPOLI TEATRO FESTIVAL ITALIA, GREC FESTIVAL DE BARCELONA, HOLLAND FESTIVAL – AMSTERDAM, LUMINATO (TORONTO) / TO LIVE, NEW VISION ARTS FESTIVAL (HONG KONG), RUHRFESTSPIELE RECKLINGHAUSEN, SAITAMA ARTS THEATRE / ROHM THEATRE KYOTO, STANFORD LIVE / STANFORD UNIVERSITY, TEATRO MUNICIPAL DO PORTO, THÉÂTRE DE LA VILLE – PARIS / THÉATRE DU CHÂTELET, UCLA’S CENTER FOR THE ART OF PERFORMANCE

With the support of FESTIVAL APERTO (REGGIO EMILIA), FESTIVAL DE OTOÑO DE LA COMUNIDAD DE MADRID, HELLERAU – EUROPEAN CENTRE FOR THE ARTS, NATIONAL ARTS CENTRE (OTTAWA), NEW BALTIC DANCE FESTIVAL, ONE DANCE WEEK FESTIVAL, P.P. CULTURE ENTERPRISES LTD, TANEC PRAHA INTERNATIONAL DANCE FESTIVAL, TEATRO DELLA PERGOLA – FIRENZE, TORINODANZA FESTIVAL / TEATRO STABILE DI TORINO – TEATRO NAZIONALE
Funded by the HELLENIC MINISTRY OF CULTURE AND SPORTS
Dimitris Papaioannou’s work is supported by MEGARON – THE ATHENS CONCERT HALL

We would also like to thank the team at LEMON POPPY SEED for styling the performers’ hair.

Trailer filmed by JULIAN MOMMERT + edited by DIMITRIS PAPAIOANNOU

Se quarantadue centimetri vi sembrano pochi. Gap of 42.

Si conclude domani, 5 settembre, a Cividale del Friuli, la 30esima edizione di Mittelfest. Un cartellone nel quale – anche grazie ai tedeschi Rimini Protokoll, agli olandesi Strijbos e van Rijkwijk e ai loro progetti pensati apposta per il festival – si poteva leggere il balzo che lo spettacolo dal vivo sta compiendo in questi anni verso formati ibridi: #audiowalks, #musicscape, #soundspecificsound, #locativeaudio… O come si diceva un tempo Land Art.

Provate a leggere e a guardare il post procedente, dedicato a Remote, di Rimini Protokoll.

Eppure, nella fusione imprevedibile di linguaggi che caratterizza un festival – questo festival – anche il corpo, elemento di base e essenza, secondo alcuni, di ogni performance, può trovare il suo spazio eletto, la sua celebrazione.

Senza sussidi tecnologici, senza indagini drammaturgiche. Il corpo, da solo, immediato, con la sua presenza, la sua forza, la sua differenza. 

Provate adesso a leggere ciò che vi racconto di Gap of 42.

Cividale del Friuli, MITTELFEST 2021 - EREDI - GAP OF 42 - CHRIS & IRIS  Foto © 2021 Alice BL Durigatto / Phocus Agency
tutte le immagini @Alice BL Durigatto / Phocus Agency

Lui e lei

Lui è alto. Lei è bassina. Lui si chiama Chris, lei Iris. Lei ha gli occhi chiari, lui scuri. Coppia come tante altre, se non per un particolare, che li rende assolutamente speciali.

Lui è altro 42 centimetri più di lei. Lei pesa 42 chili meno di lui. In questa differenza è il senso del loro spettacolo: Gap of 42. Lo scarto su cui hanno costruito la loro identità di artisti e ginnasti.

Cividale del Friuli, MITTELFEST 2021 - EREDI - GAP OF 42 - CHRIS & IRIS  Foto © 2021 Alice BL Durigatto / Phocus Agency

Giocano prima sulle misure. Lui si accovaccia. Lei si alza sulle punte. Poi lui seduto sullo sgabello. Lei orgogliosamente in piedi. O viceversa. La sfida è mantenere gli occhi, lo sguardo, la relazione alla stessa altezza.

Adesso è il momento delle presentazioni. Lo scarto diventa visibile, clamoroso. Lei uno scoiattolo. Lui è una sequoia. Lui è lento, statico, arborescente. Lei mobilissima, gli gira attorno, lo studia, lo esplora.

Cresce il rapporto. Lui accetta quell’innamoramento strano. Lei osa di più. Si arrampica su di lui, lo scala, lo risale, gli si siede in testa.

Senza parole, solo con un po’ di musiche, il loro spettacolo può raccontare molte storie. Bastano quelle presenze fisiche, la loro forza, la loro fiducia, a far crescere le narrazioni. Lavorano mano nella mano.

Sotto uno chapiteau

Il loro linguaggio, certo, è quello del circo. Tant’è che qui a Cividale, si esibiscono sotto uno chapiteau (e ci sono i sacchetti di pop corn per gli spettatori).

Del circo ci sono tutti i fondamentali: l’acrobazia, i numeri un po’ clowneschi, le luci puntate sul centro della pista, l’umorismo e il momento di suspence, per il salto mortale, a quattro metri di altezza.

Cividale del Friuli, MITTELFEST 2021 - EREDI - GAP OF 42 - CHRIS & IRIS  Foto © 2021 Alice BL Durigatto / Phocus Agency

Ma gli spettatori, seduti sulle immancabili panche di legno, corrono molto più in là con l’immaginazione. Il filo del rischio già mette i brividi… e se lei scivolasse, se lui sbagliasse la presa, se un attimo di distrazione si trasformasse in rovinosa caduta? 

Però si potrebbero immaginare Chris e Ines anche al di fuori di questa situazione. Nella vita ordinaria, nel tran tran quotidiano, dove 42 centimetri di differenza diventano motivo di preoccupazione. Oppure di divertimento. Sempre mano a mano.

Cividale del Friuli, MITTELFEST 2021 - EREDI - GAP OF 42 - CHRIS & IRIS  Foto © 2021 Alice BL Durigatto / Phocus Agency

Un gap of 42 centimetri

E adesso voi? Provate a pensarci pure voi. Quanti centimetri e quanti chili vi separano dal/la vostro/a partner? Siete già riusciti a colmare la distanza? Non solo quella distanza. Pensateci, dai.

Cividale del Friuli, MITTELFEST 2021 - EREDI - GAP OF 42 - CHRIS & IRIS  Foto © 2021 Alice BL Durigatto / Phocus Agency

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GAP OF 42
di e con Iris Pelz e Christopher Schlunk
Occhio esterno Stefan Schönfelt
Musica Schroeder (con Jan Fitschen, Felix Borel e Bella Nugent)
Coaching teatro di figura Anne-Kathrin Klatt
Dance coaching Laura Börtlein
Luce / Tecnica Marvin Wöllner
Produzione Duo mano a mano Chris e Iris per Mittelfest 2021
Fondi e partner Fonds Darstellende Künste con i fondi del Commissario Federale per la Cultura e i Media, Hessische Kulturstiftung, Kulturzentrum Tollhaus Karlsruhe, Bürgerstiftung Tübingen, Dipartimento della Cultura della Città di Tubinga

Rimini Protokoll, in cuffia a Mittelfest. Appuntamento al cimitero

C’è tempo fino a domenica 5 settembre per partecipare a Remote Cividale del Friuli: un format che il gruppo teatrale tedesco Rimini Protokoll (uno dei suoi fondatori, in particolare, Stefan Kaegi) ha realizzato in molte città del mondo, e proposto adesso anche a Mittelfest, quassù ai confini d’Italia. Ho partecipato. Potreste farlo anche voi. Vi dico perché.

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli
Tutte le immagini di questo post sono di Luca A. d’Agostino / Phocus Agency

L’appuntamento è al cimitero, un po’ fuori mano. Hai deciso di partecipare a Remote Cividale del Friuli dei Rimini Protokoll, e qui sei stato convocato, alle 17.30 di un sabato pomeriggio.

Non è per un malinteso senso del macabro che ti hanno convocato proprio qui. Ma perché i cimiteri – che probabilmente frequenti poco – sono i soli luoghi dove si può avviare una riflessione non banale su ciò che separa i vivi (che ti stanno attorno) dai morti (che invece stanno là sepolti dalla terra). E riflessioni così, probabilmente, non ne fai molto spesso. 

Siete già in dieci, convocati qua, e altri via via si aggiungono. All’ora fissata, siete una trentina. Vi hanno dotati di cuffie per l’ascolto individuale e vi stanno dando delle istruzioni. Da remoto. È per questo che Remote Cividale del Friuli si chiama così.

“Lei è in attesa di Remote Cividale del Friuli. Si metta comodo. Può sedersi sui gradini, o sul marciapiede, lungo la ringhiera. Cerchi un posto all’ombra. Ma non vada lontano. Se il volume è troppo alto o troppo basso, lo sistemi nel suo ricevitore. E per cortesia, indossi la mascherina non appena si avvicina agli altri. Remote Cividale del Friuli inizierà tra pochi minuti. Riceverà un segnale. Si prenda il suo tempo. Si rilassi”. 

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli

Possiamo cominciare 

Scarpe comode, ti avevano detto, e così hai fatto. Una bottiglietta d’acqua. E un abbigliamento leggero. Attento che potrebbe piovere. Bene, sei a posto. Una volta pronto , in cuffia, sentirai una voce femminile che si presenta.

“Il mio nome è Fabiana. È un piacere conoscerLa. Posso darle del tu?
Immagini un viso mentre mi ascolti? Come sono i miei occhi? Come sono le mie labbra? La mia voce ti sembra strana? Suona un po’ artificiale, vero? Le mie parole sono composte da sillabe. E queste sillabe creano la mia identità. Ecco perché a volte suono strana. Credi che io abbia una strana identità? In futuro sarà sempre più difficile distinguere tra umani e umanoidi. Distinguere tra ciò che è ancora vivo e ciò che è già morto. Ma questa distinzione sarà ancora necessaria in futuro? Proverò ad aiutarti a trascendere queste distinzioni. Ti fiderai di me?”.

Seguendo le indicazioni di Fabiana, ti muoverai dentro al cimitero, sosterai davanti alle tombe, percorrerai i viali. Fabiana ti inviterà a camminare, a stare fermo, a guardare, a pensare. Ai vivi e ai morti. Questo, il navigatore che hai in macchina non lo sa fare. Eppure, proprio come lui, Fabiana non ha un corpo. Ha solo la voce. Perciò entrambi amano molto lavorare con gli umani.

Sarà un piccolo rito, questo che fate al cimitero. Potrai riflettere sul tuo corpo, che un giorno sarà qui, sotto la terra, o in qualche altro posto simile. Potrai pensare alla sua decomposizione. Non solo della carne, ma anche del ricordo che gli altri avranno di te. Perché anche i ricordi si decompongono. Proprio come i corpi.

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli

A questo punto Fabiana ti inviterà a uscire dal cimitero, a prendere la via della città. Ma non quella abituale. Non sempre la via più corta è la migliore. A volte ti avvicini di più all’obiettivo se prendi una deviazione. Così comincerai a camminare insieme agli altri. Trenta camminatori. Un gruppo. Una comunità. Un’orda, secondo il lessico di Fabiana.

A dire il vero, in mezzo a quella piccola società, sarai solo. Solo con quella voce, che ti si infila nelle cuffie. Fabiana vi guiderà per strade a te sconosciute, per viottoli al margine della città, tra filari di viti, campi di ulivi, terreni falciati. E vi farà riflettere per esempio sul fatto che ciò che ti sembra natura, è invece paesaggio agricolo, artificialmente modellato. Che ogni frutto di quegli alberi diventerà oggetto di consumo. Prodotto per un mercato. Natura uguale denaro. Sempre più spesso.

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli

Non ha esperienza del mondo, ma lo comprende grazie a te

Mentre cammini, oppure mentre sei fermo al passaggio a livello, la voce ti svelerà la propria natura. Digitale, sintetica, un algoritmo che non ha esperienza del mondo, ma lo comprende grazie alle tue azioni. E alle tue reazioni. È un umanoide. Fabiana fa parte di quelle cose che tu chiami intelligenza artificiale.

A volte ti sembrerà ironica, spiritosa. A volte ti infastidiranno i suoi comandi. Svolta a destra. Segui il marciapiede. Adesso a sinistra. Attraversa la strada. Attento alle macchine. Cammina un po’ più veloce. 

“In che modo gli altri influenzano la tua velocità? e in che modo tu influisci sulla velocità degli altri? Puoi farli andare più veloci? Prova a sorpassare la persona che hai davanti. Dai, prova! Quelli in cima al gruppo rimarranno sempre lì? Chi sta rimanendo indietro di proposito? Proverò ad essere un buon pastore. Ma alcuni saranno sempre troppo pigri per me. Cerca almeno di non restare troppo indietro”. 

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli

Fabiana, quando fai così, mi stai proprio antipatica. Eppure la seguirai, la asseconderai. Proprio come faranno i tuoi compagni di avventura, i trenta camminatori. Fabiana vi guiderà verso non-luoghi, i templi della periferia. Poi vi avvicinerete al centro, e anche là, altri luoghi, altre strade, altri edifici: un paesaggio urbano da esplorare assieme, da conoscere, da mettere in cima alle tue riflessioni. Per un momento. Per poi concentrarsi sulla prossima tappa.

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli

Da remoto

Non voglio svelarti altro. Come la maggior parte delle creazioni di Rimini Protokoll (vedi qui il loro sito), Remote Cividale del Friuli non è uno spettacolo. È un’esperienza 

Come 100% City, come in Home visit Europe, anche le diverse declinazioni geografiche di Remote si collocano in un filone di creazioni teatrali, che conta sempre più esempi nel mondo. Un teatro che prescinde da personaggi, interpreti, vicende. E forse anche dagli spettatori. Perché in Remote tu sei un camminatore. Come in Home Visit Europe sei un giocatore. Come in 100% City, un soggetto percentuale in un giocoso esperimento di statistica. 

Remote è un esercizio sull’esperienza sul camminare, sul quotidiano urbano, sul vivere la città, che osservata in questo modo, assume significati diversi. O addirittura li assume per la prima volta. Perché camminiamo in un certo modo? Perché scegliamo sempre certi percorsi? Ci avevi mai pensato? Hai avuto bisogno di qualcuno che ti ci faccia pensare da remoto.

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli

“Per andare avanti devi costantemente lasciare delle cose indietro. Per andare avanti, devi dimenticare, e dimenticare, e dimenticare…. Io non dimentico mai. Fermati un attimo e goditi il silenzio. Adesso girati e cammina. Guarda come camminano. In modo strano vero? Come se qualcuno li stesse controllando da remoto. Non ne hanno idea. Ti senti preso in giro essendo controllato da remoto da una strana voce? O invece ti piace, se qualcuno ti dice cosa fare, e non devi prendere decisioni?”. 

Alla fine, dopo 100 minuti di Remote Cividale del Friuli scoprirai di essere un po’ cambiato – come sono cambiato io – almeno nel modo di vedere certe cose, magari piccole, ma è il modo di pensarle che conta. E questo, per il teatro, benché da remoto, è un bel traguardo.

Rimini Protokoll - Remote Cividale del Friuli

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Per approfondire un po’, vedi qui sotto l’intervista a Stefan Kaegi realizzata da Renzo Francabandera per Remote Milano.

Oppure vedi qui, attraverso gli occhi di questo blog, un altro spettacolo di Rimini Protokoll.

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REMOTE CIVIDALE DEL FRIULI
di Rimini Protokoll (Stefan Kaegi / Jörg Karrenbauer)
Idea, testo e regia Stefan Kaegi
Ricerca, testo e regia di Cividale del Friuli Jörg Karrenbauer
Sound design Nikolas Neecke
Sound design di Cividale del Friuli Peter Breitenbach, Karolin Killig
Drammaturgia Aljoscha Begrich
Direzione di produzione Monica Ferrari

“Remote X” è una produzione di Rimini Apparat
In coproduzione con HAU Hebbel am Ufer Berlin, Maria Matos Teatro Municipal e Goethe-Institute Portugal, Festival Theaterformen Hannover/Braunschweig, Festival d’Avignon, Zürcher Theater Spektakel, Kaserne Basel
Con il sostegno di Capital Cultural Fund Berlin, Swiss Arts Council Pro Helvetia e Fachausschuss Tanz und Theater Kanton Basel-Stadt.
Una coproduzione Rimini Protokoll / House on Fire con il sostegno del Programma Culturale dell’Unione Europea

Tutte le foto © Luca A. d’Agostino / Phocus Agency

Dove è veramente nato Giorgio Strehler? Un interrogativo senza documenti

Sarebbero stati cento, oggi 14 agosto, i compleanni di Giorgio Strehler. Si concentra così attorno a questa data una rete di pubblicazioni, iniziative, articoli, libri, trasmissioni, proposte, che riflettono sul ruolo che Strehler artista, intellettuale e regista, ha avuto nella storia del ‘900 italiano e europeo. 

Trieste, la città in cui era nato, nel 1921, ha un posto particolare in questa antologia di rievocazioni. Qui, nel cimitero di Sant’Anna, nella tomba di famiglia, sono oggi collocate le sue ceneri.

Sul quotidiano di Trieste, Il Piccolo, è apparso oggi questo mio articolo, che indaga attorno a uno dei piccoli punti di domanda che – nonostante la mole di notizie e di studi sulla sua vita e sui suoi spettacoli – restano fortunatamente tali.

Giorgio Strehler - 1926
Nel 1926 Giorgio Strehler ha cinque anni

Una casa confusa tra gli alberi, a Bàrcola

“La vedi? Proprio davanti al campanile. È la casa dove è nato Giorgio”. Vagamente, con le dita lunghe e ossute, il critico teatrale del quotidiano di Trieste, Giorgio Polacco, indicava dal finestrino del treno un edificio, confuso tra gli alberi, non molto distante dal giardino di Bàrcola. Lo faceva con chiunque, ogni volta che il convoglio, partito dalla Stazione Centrale, arrivava a costeggiare il rione riviera della città.

In quella casa confusa tra gli alberi, cent’anni fa, il 14 agosto del 1921, doveva essere venuto al mondo Giorgio Strehler.

Triestini entrambi, i due Giorgio erano accomunati dal dialetto, dal teatro, da una prolungata collaborazione. E naturalmente erano amici. Figli della diaspora che per tutto il Novecento ha spinto all’emigrazione molte della teste migliori di questa città. Con Milano e Roma tra gli approdi preferiti.

Giorgio il regista – quello di cui oggi si parla e con il quale si celebra un impossibile compleanno – aveva lasciato Trieste quando aveva sette anni, nel dicembre del 1928, destinazione Milano: la sua seconda città, la sua seconda pelle. 

Alla stazione di Trieste

Alla stazione chissà, mano nella mano, mamma Albertina e il piccolo Strehler avevano preso posto sul treno. Pochi minuti dopo la partenza, passando proprio in quel punto, il bambino aveva salutato, forse, l’edificio in cui gli era stato detto di essere nato.

Perché la casa in cui aveva passato l’infanzia non era certo quella. Albertina Lovrich, violinista, e Bruno Strehler, imprenditore nel settore della carta, erano convolati a nozze nel gennaio del 1920, e abitavano in un palazzo del centro di Trieste, in via San Lazzaro 4. Dalle finestre del loro appartamento si vedeva il Corso. “Una casa piena di donne e di musica: madre, nonna, cameriere e governanti… mi addormentavo sentendo in una stanza vicina mia madre che suonava il violino“.

Un’infanzia da idillio, nelle parole del regista. In realtà, il destino non era stato generoso con quella famiglia. A 28 anni – quando il piccolo Strehler ne aveva soli tre – Bruno Strehler era morto di tifo. Fulminato dalla malattia, durante un breve soggiorno con Albertina a Vienna. “Lei fece il viaggio di ritorno in treno, da sola, tutta vestita di nero, tenendo sulle ginocchia una cassetta con le ceneri del marito“.

Pochi anni più tardi, nel 1928 – quando Giorgio stava per compierne sette – era scomparso anche Olimpio Lovrich, padre e nonno, originario di Zara, impresario teatrale, uno che era riuscito a dare la svolta ai cartelloni musicali del Teatro municipale Verdi, e a lanciare il Cinema Teatro Fenice. 

Destinazione Milano

Per madre e figlio, ormai orfani, non c’era ragione di rimanere a Trieste. Tanto più in quegli anni, con un cognome di origine slava, Lovrich. Così avevano preso il treno. Lei con il suo violino e le promesse di una carriera da concertista (si farà chiamare Albertina Ferrari, suonerà con il Trio di Milano). Il piccolo Giorgio con la curiosità di conoscere una nuova città, che lo avrebbe trasformato, reso adulto, e che lui, viceversa, trasformerà culturalmente. La Milano del Piccolo Teatro di Milano.  Ma tutto questo accadrà dopo la guerra. 

Giorgio Strehler

Torniamo invece a quella casa tra gli alberi. Perché mai, cent’anni fa, il neonato Strehler vede la luce a pochi passi dal mare, a Barcola, e non nell’elegante e borghese edificio di via San Lazzaro?

È un bel quesito. Ci abbiamo riflettuto, qualche tempo, fa, nel 2007, quando per conto del Comune di Trieste e sotto l’egida del Civico Museo Teatrale “Carlo Schmidl”, io, Franca Tissi, archivista, e Stefano Bianchi, conservatore, preparavamo la mostra che assieme a una pubblicazione e altri eventi, avrebbe celebrato il decennale della morte del regista, avvenuta nella notte di Natale del 1997.

I documenti

In tante interviste e dichiarazioni Strehler aveva sempre sostenuto di essere nato a Bàrcola. Ma non c’è alcun documento a comprovarlo. L’atto battesimale, nella chiesa di Sant’Antonio, conferma anzi che i genitori risiedevano in via San Lazzaro.

Però, tra le carte del Fondo Giorgio Strehler, ospitato nel Museo Schmidl e frutto della donazione congiunta di Andrea Jonasson e Mara Bugni, ci sono due fotografie. Mostrano un decoroso edificio, con gli alberi e le ombre di una giornata d’inverno. Sul retro, scritto a mano, “Villa Maria, Barcola”.

Villa Maria - civico 76 di Barcola Riviera  - Trieste
Villa Maria, Barcola

Se interrogati a dovere, la toponomastica e i documenti catastali rispondono. Si trattava del civico 76 di Barcola Riviera, di proprietà di Natalia Jasbitz, la mamma di Bruno, la nonna paterna, di origine slovena. 

Sarà vero che Giorgio Strehler era nato proprio là, nei pressi del mare? Sarà stata Albertina ad aver deciso di partorire in casa della suocera? Sarà stato più comodo, per la puerpera, il basso edificio di Barcola e non i piani alti di via San Lazzaro?

Oppure era proprio Strehler, nella propria ricostruzione biografica, a “voler” essere nato a Bàrcola? Con i riflessi delle onde e la luce del sole al tramonto. Proprio come in alcuni dei suoi spettacoli.

Sotto il segno del Leone

Né il nostro libro, pubblicato in occasione della mostra (Strehler privato. Carattere affetti passioni, Comune di Trieste 2007) né il recente studio biografico di Cristina Battocletti (Giorgio Strehler. Il ragazzo di Trieste, La Nave di Teseo, 2021), avanzano una risposta. 

Con maggior determinazione, lo farà invece il Comune di Trieste che tra qualche settimana, apporrà una targa commemorativa su quell’edificio – al 76 di Barcola Riviera – che oggi corrisponde a un numero civico di via Moncolano. Iniziative, convegni, mostre, eventi, verranno dopo.

Del resto, lo sapeva bene Strehler stesso: non devi aspettarti molto per il tuo compleanno, se sei nato il 14 agosto. Il tuo segno è il Leone, ma la gente, quel giorno, vive il pieno dell’estate, è in vacanza, pensa a altro.

Anche le celebrazioni del centenario prenderanno perciò il via più in là. Probabilmente quando farà meno caldo.

[pubblicato sull’edizione del 14 agosto 2021 del quotidiano IL PICCOLO]

Terreni creativi. Un teatro che cresce tra gli aromi ed è attento al clima

In faccia al mar Ligure, sulla riviera di Ponente, ci sono terreni dove si coltiva creatività. Qui nascono e mettono le prime radici le piantine di basilico, di menta, di maggiorana, quelle che acquisti nei santuari della grande distribuzione: Lidl, Esselunga, Coop Consumatori…  Ma qui si sviluppano anche le foglie di un teatro recente, vitale, che cresce, ramifica, fruttifica. Velocemente. Non te ne accorgi quasi.

Terreni Creativi - Albenga - Serre

Una brezza di odori

Francesca Sarteanesi, sola, sulla pedana, massacra di parole Sergio. Potrebbe essere suo marito, nella finzione di un monologo che aspira a essere un dialogo, ma si scontra con il mutismo dell’uomo. 

Nel frattempo, ti arriva a tratti nel naso, di soppiatto, una brezza di menta, di basilico, di chissà quali piante aromatiche, quelle che in cucina si chiamano odori. Di lato, a sinistra e a destra, a perdita d’occhio, si stende una prateria di piccoli vasi: pelargonium, citrus, pentas…

Sergio (che è anche il titolo) resta irrimediabilmente muto. Ma lei, Sarteanesi, lo incalza con il suo accento toscano forte. Come forte è il temperamento di questa donnina loquace, petulante, figurina sottile che si confonde adesso con il tramonto sui monti liguri, alle spalle di Albenga.

Francesca Sarteanesi - Sergio (ph Luca Dal Pia)
Francesca Sarteanesi – Sergio (ph Luca Dal Pia)

L’habitat dal vivo

Terreni creativi è un festival che in un decennio ha mantenuto un’identità precisa. Cosa che è capitata a pochi altri festival in Italia. Semmai, è successo il contrario: l’identità nativa si è andata disperdendo. Qui invece è specifica, territoriale. Qui ha trovato un suo habitat. Gli spettacoli vengono allestiti dentro le serre e i capannoni agricoli, dove il clima della Riviera fa maturare ortaggi, piante commestibili o decorative, fiori, primizie. 

Terreni Creativi - Albenga - Serre

È un mix di arti dal vivo – teatro, musica, danza – che incontra un comparto economico trainante del territorio – secondo solo al turismo – e con lui scambia un potenziale di crescita: il comun denominatore delle creazioni che, ogni anno ai primi di agosto, si alternano tra gli olivi e i limoni, grazie all’impianto organizzativo della compagnia di qua: Kronoteatro

Rodati da dodici edizioni, i Terreni Creativi di Albenga hanno visto germogliare e maturare in quelle serre, i gruppi della generazione Duemila, gli Omini, i Sotterraneo, i MenoVenti… e ne coltivano oggi altri più nuovi.

Oltre vetrate traslucide

In tre capitoli e in due diverse serre, la danza fluida di Daniele Ninarello e della sua compagnia Codeduomo, impagina un’idea di movimento, che via via matura, accordato alla musica, fondato sulla sintonia dei corpi, su moti individuali eppure partecipi di una stessa esperienza. Là, davanti alle vetrate traslucide, oltre cui si intuiscono i boschi dell’Appennino, si distende Pastorale, una rivoluzione di corpi celesti. Pastorale è anche il momento più bello di questa trilogia firmata Ninarello, una personale che prima recupera Kudoku del 2016 (il sax che conduce l’opera è quello Dan Kinzelman) e finisce con l’estendersi alle recenti improvvisazioni ermetiche di Nobody nobody nobody (It’s not ok to be ok).

Daniele Ninarello - Pastorale (ph  Luca Dal Pia)
Daniele Ninarello – Pastorale (ph Luca Dal Pia)

“Nasce da pratiche solitarie e meditative – dice il coreografo – pratiche mantriche sviluppate negli ultimi mesi di distanziamento”. Spiega una nota sul programma di sala, che si prevedono “scene di nudo”. Ma non è niente a cui il pubblico dei Terreni Creativi non sia abituato.

Oltre che sulle sedie, ovviamente distanziate, gli spettatori si accomodano su imballaggi di terriccio e substrati nutritivi. Così che sembra quasi di percepire, sotto il sedere, la crescita di future piante. Proprio come una scenografia specific può essere fatta soltanto di cartoni: il package che protegge i prodotti di orticultura. Cartoni come quelli che circondano Francesca Foscarini, coreografa e danzatrice, nella sua creazione Hit me!

Hit me, baby!

Foscarini è nata il 10 gennaio 1992. Trentanove compleanni fino ad oggi. Hit me! è costruita a partire da una playlist di canzoni strettamente legate a un dato biografico. “Ho scelto i pezzi al vertice delle classifiche nel giorno del mio compleanno – dice – dalla nascita a oggi”. Lei stessa ha poi chiesto alla sua dj, Chiara Bortoli, di mettere sul piatto, ad ogni replica, una ventina di queste canzoni. Scelte a caso, random, a seconda di come gira: il tempo, l’ambiente, la fatica, gli spettatori.

Così, di colpo, la musica si rovescia su Francesca e lei “senza aver previsto un disegno coreografico” ne viene investita: “canzoni che mi ritrovo addosso, maratona di una vita in cui buttarmi a capofitto in un’improvvisazione sempre diversa”. Ora sono Paul McCartney e Michael Jackson, ora è Whitney Huston. Ora Eminem, ora Adele. Una playlist imprevedibile, e una danza in rapporto con il caso. O piuttosto, con l’atmosfera del luogo.

Francesca Foscarini - Hit Me! (ph Luca Dal Pia)
Francesca Foscarini – Hit Me! (ph Luca Dal Pia)

In alcune mie riflessioni, ho provato a chiamare post-coreografiche, le creazioni come Hit me!, che oltre a performance sono prima di tutto concept. Conta il progetto, più che il risultato. Il quale invece è casuale, estemporaneo, disperso. Volatile insomma. All’opposto della precisione e del rigore di spazio e di tempo che sono valori fondanti della coreografia. Della maggior parte delle coreografie, almeno.

Dissodare la terra, spostare i confini

Mi pare una cosa bella che Hit me! trovi posto qui, nelle serre, poco dopo che Oliviero Ponte di Pino ha presentato il suo nuovo libro, Un teatro per il XXI secolo (FrancoAngeli Editore) nel quale si occupa di crescite e trasformazioni (non solo teatrali) avvenute in questi ultimi due decenni. Durante i quali molte fughe in avanti (non solo in risposta alla pandemia) hanno dissodato il terreno dello spettacolo dal vivo, ne hanno spostato i confini, divelto i recinti, incrociato le tendenze. In luoghi spesso eccentrici, come questi Terreni creativi, qui ai margini occidentali dell’Italia. 

Oliviero Ponte di Pino - Un teatro per il XXI secolo - FrancoAngeli Editore

Infatti, mentre con attenzione ascolto Alessandro Berti, continuo a chiedermi sotto quale etichetta potremmo classificare il suo progetto, White lies, bugie bianche. La trilogia che propone si apre con Black Dick. È una lezione di storia e fenomenologia del razzismo? Una Ted Conference di citazioni e dimostrazioni? Magari un concerto, nel quale Berti canta e suona la chitarra. Molto bene, peraltro. 

Uomo nero, donna bianca

Con un titolo che fa un po’ impressione (devo proprio tradurre?), però è pertinente, Black Dick analizza il ruolo della sessualità nera nella percezione del maschio bianco. E si avventura in un’escursione tra gli stereotipi del porno, in particolare quello interracial. Uomo nero sopra donna bianca in un amplesso, il più delle volte violento, in cui vittima e carnefice non sono mai quello che sembrano. Ma incarnano fantasmi e proiezioni di una storia Wasp (White Anglo Saxon Protestant) che oggi ambirebbe a essere politicamente corretta – no nigger, sì black – ma appena sotto la superficie mostra le antiche pulsioni razziali. Non solo in America, naturalmente. “Parlo dell’America, per alludere all’Italia”. 

Alessandro Berti - Black Dick (ph Luca Dal Pia)
Alessandro Berti – Black Dick (ph Luca Dal Pia)

In questo modo Berti (che in tempi assai meno sospetti aveva fondato, assieme a Michela Lucenti, il gruppo L’Impasto) impasta anche la sua trilogia di bugie bianche, e dalle parole scivola nel cinema e nella musica. In un nuovo genere transgender. Ed è bello risentire Strange Fruit di Billie Holiday, capolavoro di denuncia black, cantato da lui. 

Freddure per display

Alla stessa maniera, trovatemi voi una definizione per la creazione dei Quotidiana.com (End to end, si intitola). In pratica, è una conversazione su Whatsapp.

I due display si parlano e affastellano frasine e iconine, nel solito stile flemmatico del duo Scappin-Vannoni. Scritture d’intimità, ipocondrie, freddure piovono a raffica, mentre i messaggi vocali ci fanno sentire ogni tanto le voci di Romeo Castellucci, Luca Ronconi, Renato Palazzi.

Non si capisce perché, e a chi siano dirette, ma intanto il perimetro del teatro rappresentato viene scavalcato, e il tu per tu di Whatsapp diventa, più che messaggistica, una piattaforma espressiva, obliqua. Con quali risultati, è ancora da capire.

Tiresia, il primo dei non-binary

Spariscono però le etichette di genere. E sparisce anche il genere, se il momento più intenso nelle quattro giornate di questa edizione 2021 di Terreni Creativi, lo si tocca con la poesia-teatro di Kate/Kae Tempest, poet* e performer non-binary, incoronat* quest’anno con il Leone d’argento della Biennale di Venezia. Non a caso, in Hold on you own /Resta te stess* (2014), Tempest aveva imbastito un ritratto di Tiresia, veggente androgino della mitologia greca, maschio e femmina, giovane e vecchio. 

Gabriele Portoghese in Tiresias di Kae Tempest (ph Luca Dal Pia)
Gabriele Portoghese in Tiresias di Kae Tempest (ph Luca Dal Pia)

Ora grazie alla regia di Giorgina Pi, Tiresias svela per chi non le conoscesse le doti eccellentissime e fluide di Gabriele Portoghesi, a suo agio già con la parola poetica di Pasolini (Questo è il tempo in cui attendo la grazia). Ma qui investito dalla sostanza attuale, energetica, colloquiale della spoken word poetry di Tempest, che trova naturalmente posto in questi Terreni. Che ogni sera, dopo la cena sui lunghi banconi, chiudono con una band, e qualche chupito.

Ambienti di crescita, orti protetti, dove i linguaggi dell’oggi e lo spettacolo contemporaneo agiscono da fertilizzanti. Compost naturali che Maurizio Sguotti, Tommaso Bianco e Alex Nesti – le firme di Kronoteatro dietro a questo festival – si impegnano anno dopo anno, non senza difficoltà, a spargere. Come coltivatori 3.0, che sanno che cos’è il crowfunding. Come new farmers che, oltre ai prodotti, hanno a cuore il benessere, l’ambiente, il clima della cultura e delle colture. Quello del nostro presente, in cui cultura – ripete Ponte di Pino – è fabbrica di immaginario e attivatrice di desideri.

Terreni Creativi -  Albenga - Serre
Le tavolate pronte per la cena di Terreni Creativi (ph Nicolò Puppo)

Isabelle Huppert è Ljubov’. Per lei, Čechov ha scritto Il giardino dei ciliegi

Svagata. Vulnerabile. Malinconica. Il volto intenso, i capelli rossi, la testa sempre altrove. Pensieri lontani, probabilmente ricordi che fanno male. Rari i sorrisi. Di tanto in tanto un entusiasmo infantile. Che poi si increspa e si tinge di amaro. Potrebbe essere così, Ljubov’ Andreevna, la protagonista di Il giardino dei ciliegi di Anton Čechov.  Invece è proprio lei. Isabelle Huppert.

Isabelle Huppert a Cannes
Isabelle Huppert a Cannes

La Huppert del cinema e del teatro. Così come l’abbiamo vista, così come appare, e come si è voluta raccontare in un incontro con il pubblico, il giorno dopo il debutto del Giardino al Teatro Grande di Pompei.

La Cerisaie – Il giardino dei ciliegi – regia Tiago Rodrigues – Pompei Theatrum Mundi – ph Marco Ghidelli

Conversazione un po’ riservata, vietate le macchine fotografiche, guai a qualsiasi cineoperatore. Lei vuole sempre così. Minuta, quasi a disagio su quella seggiola. Risposte gentili e distratte. Una maniera per evitare le domande, per dileguarle, se troppo personali. Creatura complessa. Giustamente attrice.

Non è facile immaginarla interprete del più scolpito, il più biografico forse, tra i personaggi femminili di Čechov. Pensarla protagonista di quel teatro che nasce e muore al tempo di Stanislavskij (e grazie a Stanislavskij). Difficile insomma collocarla là, lei Isabelle, sempre lontana da ogni realismo, aliena dalla psicologia del plausibile e del quotidiano. Mai convenzionale.

Nervosa e disturbata nei suoi film più noti, La merlettaia, Violette Nozière, La pianista. Inesorabile per Patrice Chéreau in Gabrielle (“voleva che tenessi la testa bassa, che esprimessi la mia sconfitta”). Fredda e rarefatta per Robert Wilson (Orlando e Mary said what she said, di cui ho scritto qui).

Regina distante di un cinema raffinato, introspettivo, feroce, ovviamente d’autore. E di un teatro astratto.

Isabelle Huppert - La Cerisaie - Il giardino dei ciliegi  - regia Tiago Rodrigues - Pompei Theatrum Mundi

“Non esiste un teatro psicologico. E se c’è, non è interessante”

A parlare di sé, la sollecita Roberto Andò, direttore del Mercadante – Teatro Nazionale a Napoli, che ha voluto questo spettacolo come ultimo appuntamento del cartellone di Pompei Theatrum Mundi.

A parlare della sua Ljubov’, la sollecita invece Tiago Rodrigues, regista portoghese e direttore fra due anni del festival di Avignone, che l’ha voluta in questo personaggio e in questa produzione internazionale. Un allestimento che non è realistico, non è psicologico, né quotidiano. Non è nemmeno cechoviano. È post-cechoviano.

La Cerisaie regia Tiago Rodrigues Pompei Theatrum Mundi foto Marco Ghidelli
La Cerisaie – Il giardino dei ciliegi – regia Tiago Rodrigues – Pompei Theatrum Mundi – ph Marco Ghidelli

“Anton Čechov ha scritto questo personaggio per Isabelle – sostiene Rodrigues – ma lui non l’ha mai saputo. Però lo sappiamo noi, ed è un vero peccato che non ci sia anche lui qui, a lavorare a questa messainscena”. Sembra un battuta. Non lo è.

Rodrigues è uno che si interroga sul tempo, sulla poesia e le dinamiche del tempo. Sa che un Čechov non può essere Čechov, oggi. Inevitabilmente è un Čechov che viene dopo, che avviene adesso.

“La cosa più difficile e la più interessante, per un regista, è convocare in scena, qui e ora, la poesia”.

“In questo lavoro – le fa eco Rodrigues – si parla di una vecchia casa che viene venduta. Ma la storia ci interessa poco. A interessarci, come dice Isabelle, è una successione di stati d’animo. Il Giardino è uno spettacolo sulle trasformazioni”.

Così non è necessario che i personaggi dialoghino tra di loro. Si rivolgono infatti preferibilmente al pubblico. In lingua francese, sottotitolata. 

Così non è necessario che siano vestiti alla russa (o nel tipico e strehleriano bianco Čechov) né che sembrino russi. E’ una tavolozza di provenienze questa compagnia, e di colori degli abiti e della pelle.

Alex Descas interpreta Gaev (che nella storia è il fratello di Ljubov’) ed è nerissimo, con le radici nelle Antille. Black anche le figlie di lei, Anja e Varja (Alison Valence e Oceanografie Cairaty) . Lopachin, il contadino, il mugik, che acquista il podere dove suo padre era servo della gleba, pure lui, Adama Diop, è senegalese.

Isabelle Huppert - La Cerisaie - Il giardino dei ciliegi  - regia Tiago Rodrigues - Pompei Theatrum Mundi - ph Marco Ghidelli

Non è necessaria neppure una scenografia: a fare da sfondo possono essere gli archi della Cour d’Honneur del Palazzo dei Papi a Avignone, dove lo spettacolo si è visto per la prima volta a metà luglio. Ma anche le rovine di Pompei, dove è arrivato adesso, subito dopo. 

Molte seggiole in scena. Anzi, solo seggiole. Da muovere, da accatastare, qualche volta da lanciare, in un momento di rabbia. Tre piattaforme mobili scorrono avanti e indietro, e sorreggono lampioni: una quindicina di lampadari diversi, di cristallo, dalle mille gocce, dai mille riflessi. I famosi ciliegi, sostiene qualcuno. Non necessariamente. Non è un Čechov di metafore questo.

Adama Diop e Isabelle Huppert in La Cerisaie Regia Tiago Rodrigues Pompei Theatrum Mundi - ph Marco Ghidelli
Adama Diop e Isabelle Huppert in La Cerisaie Regia Tiago Rodrigues Pompei Theatrum Mundi – ph Marco Ghidelli

Poi la musica, molta musica, dal vivo, che si trascina a lungo. Così come Angelo Ripellino, in un saggio che tutti dovrebbero leggere, spiegava il trascinarsi indolente della giornate delle commedie di Čechov. 

“La musica l’aveva prevista l’autore – spiega Rodrigues – ma solo all’inizio del terzo atto. Per noi invece si espande, esonda, e invade tutto lo spettacolo, con canzoni che abbiamo composto apposta”. I testi sono dello stesso Rodrigues, le partiture di Hélder Goncalves che le suona dal vivo.

Chitarra rock, percussioni e canto corale festeggiano al primo atto il ritorno di Ljubov’, che eccita tutti. “Le retour, le retour…” Sempre cantando in coro si assiste alla sua partenza, il lungo addio del quarto atto, Ça va changerÇa va changer…”.

La Cerisaie- regia Tiago Rodrigues - Pompei Theatrum Mundi ph Marco Ghidelli

“Non è un testo sulla fine di un’epoca”

Non è un testo sulla fine di un’epoca” – ripete Rodrigues – almeno come l’intendo io, è un saggio sul cambiamento, su come si continua a vivere dopo un trauma.”  E la vita dopo un trauma, dopo la catastrofe, pare un buon argomento, oggi.

Un Giardino post-cechoviano, quindi. Ma non non irrispettoso. Čechov rimproverava a Stanislavskij regista di aver fatto durare 40 minuti il quarto atto: il doppio dei venti da lui previsti. Qui, a Pompei, sono esattamene venti. 

E il vecchio Firs li chiude clownescamente. Molto più di qualsiasi vecchio Firs che io abbia visto. Si distende a terra, e invece di addormentarsi, muore, quasi per sbaglio. È probabile che Čechov l’avesse pensata così. Sornione.

E che così l’avesse scritta, per noi spettatori del 2021.

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LA CERISAIE

Avec Isabelle HuppertIsabel AbreuTom AdjibiNadim AhmedSuzanne AubertMarcel BozonnetOcéane CairatyAlex DescasAdama DiopDavid GeselsonGrégoire MonsaingeonAlison Valence
Et Manuela Azevedo, Hélder Gonçalves (musiciens)

Texte Anton Tchekhov
Traduction André Markowicz et Françoise Morvan
Mise en scène Tiago Rodrigues
Collaboration artistique Magda Bizarro
Scénographie Fernando Ribeiro
Lumière Nuno Meira
Costumes José António Tenente
Musique Hélder Goncalves (composition), Tiago Rodrigues (paroles)
Son Pedro Costa
Production Festival d’Avignone, Teatro di Napoli – Teatro Nazionale, Fondazione Campania dei Festival – Campania Teatro Festival, Odéon-Théâtre de l’Europe

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Biennale Teatro 2021. Venezia è blu. Non ostinatevi a guardare il grigio.

Si conclude oggi a Venezia l’edizione 2021 della Biennale Teatro. Sempre un buon punto di osservazione per ciò che accade sulle scene europee. Quelle più interessanti. E non solo.

AB IMIS / iolagemmainnestai di Stellario di Blasi / ©Andrea Avezzù
AB IMIS / iolagemmainnestai – Stellario di Blasi / ph©Andrea Avezzù

Blu dappertutto. È blu, insolitamente, l’acqua della laguna mentre il vaporetto mi fa scivolare vicino all’isola di San Giorgio. Sono blu le strisce di vernice che Stellario Di Blasi si spruzza sul corpo, modellato e performante, di fronte a una facciata bianchissima, in campo Santo Stefano. E blu of course è il catalogo di un buon chilo e trecento pagine che accompagna, con un onorevole sforzo editoriale, questa Biennale Teatro 2021.

Blu equivale a libertà. Lo scrivono Stefano Ricci e Gianni Forte, direttori alla prima tappa del loro Festival internazionale di teatro. Che nonostante le intenzioni anche quest’anno è andato incontro a restrizioni. Purtroppo.

Il G20 dei grandi del pianeta ha sequestrato i tradizionali spazi della Biennale dal vivo e blindato gli alberghi con carabinieri e polizia.

La finale di Coppa va a cascare proprio sulla giornata finale, mentre le temperature, anche quella emotiva, precipitosamente salgono.

L’epidemia per niente domata costringe ad alcune rinunce d’artista. E rende burocraticamente faticosa la visione agli spettatori: termocontrollati, tracciati in digitale, mascherinati, distanziati, tutti ci accomodiamo sulle nostre seggioline, diligenti e mesti, anche all’aperto, mentre su vaporetti, in negozi e locali pubblici, prevale la regola della calca.

L’esuberante gruppo di spagnoli, che sotto il ponte di Rialto, verso mezzanotte, sembra voler danzare la zarzuela con i boccali di birra in mano, fa almeno colore. Così Venezia torna ad essere la Disneyland d’Italia. Con grande scorno del poco distante parco tematico sul Garda. Che vive di misure di sicurezza.

Hard to be a God di Kornel Mundruzco / ©Andrea Avezzù
Hard to be a God di Kornel Mundruzco / ©Andrea Avezzù

Un festival è un festival è un festival

Scrivo parecchie sciocchezze, lo so. Ma un festival è un festival è un festival è un festival. E in un festival l’atmosfera conta. Lo sanno bene i festival atmosferici, come Santarcangelo (pure lui in corso) o Spoleto (idem) o Mittelfest (quest’anno partirà a fine agosto), dove il posto e la gente fanno evento, magari più che gli spettacoli.

Biennale Teatro 2021 tiene comunque fede al mandato e ci ragguaglia su ciò che il teatro europeo costruisce di più interessante. Quando dico interessante, uso l’espressione in modo personale. In pratica: a me interessa poco vedere spettacoli ben fatti, che sembrano però essere nati nel secolo scorso. Guardo piuttosto nella direzione di ciò che odora d’oggi e di futuro. Ciò che segnala nuove strade, o le indica almeno come probabili.

Perciò le scelte principali di Ricci e Forte mi sono sembrate giuste. Il polacco Krzysztof Warlikowski, l’ungherese Kornél Mundruczó, il tedesco Thomas Ostermeier. Tre bei nomi, in grado di scansare la modellizzazione franco-britannica e di ricordarci che il significato della parola regia va cambiando. Eccome. Tanto per dire: la scelta del portoghese Tiago Rodriguez alla direzione del Festival di Avignone è un altro segno.

Il tema regia è parecchio movimentato (ecco: interessante, appunto) e sono contento di averne parlato pure altre volte in questi post e in un recente articolo su Hystrio. Anche i registi della attuale generazione cinquantenne mi paiono aver abbandonato il formato della regia tardo novecentesca, a favore di materiali di racconto (o di non-racconto) che non hanno bisogno di rifarsi al canone teatrale classico (da Shakespeare in giù) né di fare appello all’incidenza politica del teatro (uno dei canoni novecenteschi, da Brecht in poi).

Cinema, libri, fotografia, poesia, canzoni, tecnologie audiovisive, sono il contemporaneo nutrimento.

Qui A Tué Mon Père - ph ©JeanLouisFernandez
Qui A Tué Mon Père – ph ©JeanLouisFernandez

Se lo dice Ostermeier

Lo dice con chiarezza Ostermeier. Rispondendo a una domanda di Andrea Porcheddu sul valore politico del lavoro che ha presentato a Venezia, assieme allo scrittore Edouard Louis, il regista sostiene che in termini politici il teatro non sposta una virgola. A lui interessa invece lavorare su storie e temi che lo colpiscono, che abbiano adesso e qui una necessità. Che movimentino i pensieri, oggi. E Qui a tué mon père (libro di partenza e interpretazione sono di Louis, la regia è di Ostermeier) parla appunto di qualcosa che non è politico nel senso che abbiamo avuto davanti agli occhi decine se non centinaia di volte visto (alla Milo Rau, tanto per capirci). Né solo individuale, per quanto sia autobiografico. Ma ci riguarda come collettività pensante.

Incide sulla percezione contemporanea della sessualità, per esempio. Ci interroga sui modelli di genere e mostra con precisione cosa sia la mascolinità. Quella tossica. Lo fa raccontando il rapporto tra un padre e un figlio. Dove a essere sbagliato, non è il figlio gay, ma il padre omofobo. Spettacolo che non va sicuramente a piacere a coloro che osteggiano (o furbescamente mediano sul Ddl Zan). Ma quelli a teatro mica ci vanno. Che gliene importa.

Qui A Tué Mon Père - ph ©JeanLouisFernandez
Qui A Tué Mon Père – ph ©JeanLouisFernandez

Se lo dice Mundruczó

Anche lo spettacolo di Kornél Mundruczó, testa pensante e bella del cinema e del teatro di oggi, sembrerebbe parlare di politica. Tra gli spettatori, molti sollevano il fantasma di Viktor Orbán, anche se lo spettacolo ha debuttato una decina di anni fa e Mundruczó vive a Berlino.

Il sapiente regista ungherese (Imitation of life, vedi qui, è davvero uno dei capolavori del decennio) mi sembra piuttosto deciso a preparare uno splatter farcito di sfruttamento della prostituzione, torture, pratiche abortive, sangue finto a fiotti (a tratti perfino ingenuo come i film horror degli anni ottanta). Lo confeziona dentro a una storiella di fantascienza e di fantapolitica e lo intitola : Sapessi com’è difficile essere un dio (Hard to be a God). Abbastanza ironico, non pare anche voi?

Hard to be a God di Kornel Mundruzco / ©Andrea Avezzù
Hard to be a God / ph ©Andrea Avezzù

Anche lui, interrogato sul messaggio politico che vorrebbe tramettere agli spettatori, dichiara: “Non credo di dover trasmettere nemmeno una parola. Sono loro che devono mettere insieme una storia”. E a lato aggiunge: “Direi che il 2020 ha cambiato il mio approccio alla vita. Le ha dato una visione più chiara di ciò che è davvero importante e di ciò che non lo è”. Se non è chiaro cosi.

Hard to be a God di Kornel Mundruzco / ©Andrea Avezzù
Hard to be a God / ph ©Andrea Avezzù

Warlikowski e il suo We are leaving non sono riuscito a vederli. L’ho incontrato altre volte però al Premio Europa per il Teatro e ho visto una manciata dei suoi spettacoli. Direi che mi posso fidare. Interessante anche lui. Se poi si ritrova in mano il Leone d’oro della Biennale Teatro 2021, una ragione ci sarà.

Basta un po’ di Google, no?

Non posso nemmeno parlarvi di Kae Tempest, che è autor*, poet* e artist* discografic* (gli asterischi li ho messi apposta, e anche un po’ a caso, ma ci stanno, eccome). Alla fine ho dovuto abbandonare il blu di Venezia in fretta e furia. Ma saranno sicuramente in tanti a parlarne. Basta un po’ di Google, no?

Conclusione banale di questa nota, decisamente lunga. Se avete bisogno di sciropparvi ancora uno Shakespeare, un Pirandello, un Beckett, o una regia ben fatta, abbonatevi pure alla stagione del teatro sotto casa. Da quelle parti di solito si vede tutto grigio. Se siete invece curiosi di sapere dove va il teatro, e che posto avrà nel nostro vivere nei prossimi dieci anni, tornate a Venezia il prossimo anno. Potreste restare sorpresi.

Com’è bello far l’amore (da Trieste in giù). Le mappe amorose di Raffaella Carrà

Trieste, all’inizio del Novecento, era cara al cuore degli italiani per le bandiere tricolori e irredentiste. Ben altre bandiere, verso la fine del secolo breve, fecero tornare Trieste alla ribalta.

A sventolare la bandiera di un amore più libero fu lei, che oggi ci ha lasciati. “La mia vita è una roulette, i miei numeri tu li sai” diceva la prima strofa della sua canzone del 1978, in Italia forse la più famosa di Raffaella Carrà . “Il mio corpo è una moquette, dove tu ti addormenterai”, aggiungeva la seconda.

Raffaella Carrà's Line

Subito dopo il ritornello, che stampò la città con “l’identità di frontiera” (Magris) nelle aspettative erotiche di tutti gli italiani. E delle italiane.

Com’è bello far l’amore da Trieste in giù 

L’importante è farlo sempre con chi hai voglia tu“, precisava la rima. Raffaella Carrà ne faceva una questione di latitudine. Era solo a meridione del parallelo di Trieste che gli italiani cominciavano a dar prova della loro prestanza. La famosa Raffaella Carrà’s Line: le performance migliori, solo sotto il 45° parallelo.

Più a nord solo patetici tentativi? Tutti scarsi a Udine, a Belluno, a Trento, a Bolzano? Certo che no. Ma era solo da Trieste in giù che la cosa diventava più bella e più intensa.

E Raffaella, vera figlia dei fiori (neanche 25 anni aveva nel ’68) ci aggiungeva l’impegno pacifista, quello di Joan Baez e di Bob Dylan. Fate l’amore, non la guerra. E fatelo a letto.

“Ma girando la mia terra, io mi sono convinta che, non c’è odio non c’è guerra, quando a letto l’amore c’è”.

Tanti auguri, a chi tanti amanti ha

Secondo Raffaella Carrà non era importante che il partner fosse “di campagna o di città“. Lei, cuore vagabondo, regole non ne aveva: bastava piacersi.

Il motivo per la quale amai questa canzone, era ancora un altro però. Non perché sono nato a Trieste. Ma perché certe amiche, un po’ rigide, si indignavano quando prendevo un po’ in giro le sofferenti d’amore, quelle lasciate da fidanzati, mariti e amanti. Donne che si struggevano mesi e mesi per essere state scaricate. E vivevano una rottura come una vedovanza. Ferme là, a piangersi addosso.

E se ti lascia lo sai che si fa?

Raffella, la risposta ce l’aveva pronta. E io con lei. “Trovi un altro più bello, che problemi non ha”. Una maestra di vita, insomma.

Perciò anche adesso che Raffaella e il suo casco biondo non ci sono più, continueremo a raccomandarlo a tutti gli italiani e le italiane. Non fa niente se abitano più a nord di Trieste.

Raffaella Carrà versione spagnola. Più malandrina

In-Box 2021. Generazione e rigenerazione

In-Box è un termometro. Misura la temperatura del giovane teatro italiano. Quello vivace. Indipendente. Quello che non sta là a calcolare con gli algoritmi. Un teatro semplicemente libero. Che molti chiamano emergente. Che io chiamerei rinnovamento. O rigenerazione.

In-Box 2021 - La difficilissima storia della vita di Ciccio Speranza- Les-Moustaches (ph. Simona-Albani)
La difficilissima storia della vita di Ciccio Speranza- Les Moustaches (ph. Simona-Albani)

Se poi In-Box è dal vivo – come succede da qualche anno a Siena, complici Straligut Teatro e Fondazione Toscana Spettacolo – tanto di guadagnato. 

Passati attraverso le selezioni di In-Box dal vivo, in questi anni visto emergere a Siena e poi affermarsi Caroline Baglioni e Silvia Gribaudi, Oyes e Controcanto, Paolo Paolocà e Fabiana Iacozzilli. Sono passati tutti sul palcoscenico del teatro dei Rozzi, o quello dei Rinnovati, o al teatro del Costone, e sono i nomi che formano oggi l’area più agile e movimentata del teatro italiano, i nomi che lasceranno un segno negli anni Venti. 

Per questo In-Box è un luogo di articolazione, un osservatorio unico. Un contest speciale.

La Foresta, I Pesci / Ortika (Napoli-Torino)
La Foresta, I Pesci / Ortika (Napoli-Torino)

Come funziona

Selezionate da una giuria di una settantina di operatori teatrali, che programmano festival, sale teatrali, circuiti, manifestazioni in tutta Italia, alcune centinaia di candidature (quest’anno erano 564) si assottigliano fino a ridursi a una manciata di finalisti. A cui si aggiungono i finalisti di In_Box Verde (la sezione riservata al pubblico infantile e adolescente).

A selezionarli è gente esperta. Io di loro mi fido. Colleghi che si conoscono e soprattutto conoscono le proprie platee. Ne intuiscono i gusti e le inclinazioni. Sanno quale titolo potrà piacere alle a un certo tipo di pubblico e quale no. Riuniti in una assemblea finale, acquistano le repliche di ciascun spettacolo e le programmano nella stagione prossima. Tra i finalisti vince il più acquistato. Vince per modo di dire dire, il punto è che lavorerà. Di questi tempi, meno male.

L’edizione di quest’anno

Sei erano i finalisti di questa In-Box dal vivo 2021. Buona annata direi.

Tra questi sei, le differenze si sono notate. Con una divisione netta tra creazioni che consapevolmente si appoggiano al passato prossimo del teatro nazionale (uso di lingue regionali, drammaturgie di ispirazione civile, linearità della narrazione) e quelle che guardano invece a un prossimo futuro, a una scena che accolga nuove architetture di racconto, manipolazione di contenuti, tecnologie audiovideo, e pure l’interazione con il pubblico.

Di questo secondo indirizzo fa certo parte il più ardito tra i titoli finalisti, Arturo, in cui Niccolò Matcovich e Laura Nardinocchi, in modalità fortemente emozionale, raccontano il rapporto che ciascuno di loro due (o meglio, ciascuno di noi) ha stabilito o stabilirà con il padre, inevitabilmente destinato a morire, e a lasciare sedimentati dentro i ricordi. 

Arturo, di e con Niccolo Matcovich e Laura Nardinocchi (Roma)
Arturo, di e con Niccolo Matcovich e Laura Nardinocchi (Roma)

Creazione ardita, ho detto prima, forse troppo per le platee più tradizionali, Arturo è stato facilmente sopravanzato da Apocalisse tascabile di Niccolò Fettarappa Sandri e Lorenzo Guerrieri. Con le lusinghe più facili di un cabaret esistenziale, i due riescono a trattare il trash consumistico e le derive linguistiche della generazione Erasmus, infilzandone gli snodi. Ciò che avevano fatto 15 anni fa quelli di Babilonia Teatro. Il registro però è aggiornato con sapienza e lo premiano i compratori, assicurandogli un cospicuo numero di repliche.

In-Box 2021 - Apocalisse Tascabile, Fettarappa-Guerrieri (Roma)
Apocalisse Tascabile, Fettarappa-Guerrieri (Roma)

Questi, per me, erano i più interessanti. Seguono, gli altri. Tra il napoletano verace di Il colloquio (tre donne in attesa davanti al portone del carcere di Poggioreale) e il finto-contadino di La difficilissima storia della vita di Ciccio Speranza (poetico ragazzo sovrappeso sogna una carriera di danzatore), in territorio neutro si è posta la scrittura esperta di Blue Thunder. Il testo è dell’irlandese Padraic Walsh, ben condotto, quindi, ma come al solito inquadrato dentro i conflitti di una famiglia disfunzionale. L’efficace prova attorale era di Marco Cavalcoli, Mauro Lamanna, (anche regista) e della nuova star delle serie tv Gianmarco Saurino.

Un po’ meno mi ha convito La Foresta del duo I Pesci – Ortika, che sembra inseguire un sogno generazionale, sul filo dello sballo ma finisce – è una valutazione mia molto personale – solo col girarci attorno.

In-Box 2021 - Blue Thunder, Divina Mania (Roma)
Blue Thunder, Divina Mania (Roma)

Ma avessi un teatro a disposizione, li programmerei quasi tutti, perché ciascuno, dentro la propria fabbrica creativa, sembra cogliere una necessità, il filo di un interesse del pubblico, o piuttosto dei pubblici. Che per fortuna sono tanti e rappresentano la varietà di gusti e di culture del teatro italiano meno ingessato e istituzionale. Quello che piace a me.

Peccato solo che un teatro a disposizione io non ce l’abbia. Ancora. 😉